04105960-王晶-媒体与艺术-Seeper

Seeper的思考

   Founded in 1998, seeper is an Arts and Technology collective based in East London and working across the world. We specialise in real world interactive installations and performances, with an ethos to create and capture the essence of experience. Using gestural, tangible and instinctive user interaction and ubiquitous technologies we create artistic, immersive, multi-sensory experiences.

   Recent partners and clients have included TED.com, Google, Victoria & Albert Museum, British Film Institute, Punch Drunk Theatricals, Glastonbury Festival, JayZ, Nike, Reebok, Unilever, Sky Sports, Hewlett Packard, Toyota, Ford, AMD, Vimeo, Microsoft, Aldeburgh Music, Ogilvy, Sony PlayStation and many other innovative brands and arts-based organisations.

    Seeper成立于1998年,是一个艺术与技术为基础的集体在伦敦东部和工作在世界各地。他们专注于真实世界互动设施和表演,以创建和捕获的本质精神的体验。使用手势,有形的和本能的用户交互和无处不在的技术我们创造艺术,身临其境,多感官体验。

    最近的合作伙伴和客户包括TED.com、谷歌、维多利亚和阿尔伯特博物馆,英国电影学院,醉意戏剧演出,格拉斯顿伯里音乐节,JayZ,耐克、锐步,联合利华,天空体育,惠普,丰田,福特,AMD,Vimeo,微软,奥尔德堡音乐、奥美、索尼PlayStation和许多其他创新的品牌和其组织。

问题：

1.Seeper这样一个团队，他们的核心价值是什么？最核心没有改变的是什么？

他们追求的是新奇（wonder），浸入式(immerse)，娱乐性(entertain)，交互式(interact)媒体技术与创造力相结合的核心价值的艺术，能够带给人想去新奇和想去观摩的想法。

最核心没有改变的是绚丽的灯光搭配，交互式艺术，带给人的视觉冲击力，新媒体技术与创造力相结合的媒体艺术。

2.Seeper设计制作中应用到了什么技术？

    他们应用到了交互式和实时图形，VR，AR,动态音频，可视化，平面设计，运动图形，3D动画，VFX，声音设计和照明设计。其首创的建筑投影映射，并且建立了自己的地图平台SEESERVR，旨在支持互动投影。手势控制系统似乎使用机器学习识别手势和其他对象。最近开发了IMMERSIONBOX,专为教育而扩展到娱乐。同时，还有新的发明，如UNDERWRAPS.

Seeper团队创造了富有创意技术的装置，现在正在通过创新技术发明吸引力，激发和沉浸感官的未来景点。

例子1：

http://www.seeper.com/work/titanic-100

    视频中是在泰坦尼克号沉没百周年，开设了标志性的泰坦尼克贝尔法斯特游客中心。与当地历史学家合作将45分钟的3D运动图形，同步烟火和定制声音设计带入了泰坦尼克号的故事。先使用投影映射软件，它被编码为此事件。最复杂的投影映射，在6个外墙，跨越2000个独特的瓷砖是世界上最复杂的建筑物表面之一。当时在贝尔法斯特有近6万人观看，数以万计的人在网络上看，这是一个很经典的作品。

例子2:

http://www.seeper.com/work/decode-lab

    片中讲述的是参观者进行V＆A Decode展览，以创建电子音乐。向阶梯顺序器致敬一个按钮网格允许用户创建音乐，随着桌子接近一系列乐器，以及用于信号处理效果的便笺簿和鼓垫。

    设计理念是带给任何人令人陶醉的体验，就是音乐干扰。第一位感应多点触控系统，成千上万的参加者非常成功的解码展览和一起制作电子音乐。

3.如果是我，我想参与的是什么？
    我想参与的是动画和VR的部分。因为我一直都对动画方面很有兴趣，关于动画方面的知识，也关注了不少和懂得了一些动画技巧。而且动画与新媒体技术相结合。使人作为参与者通过适当装置，自然地对虚拟世界进行体验和交互作用，使用者进行位置移动时，电脑可以立即进行复杂的运算，将精确的3D世界影像传回，能带给参访者临场感，这是由计算机技术辅助生成的高技术模拟系统，通过计算机对复杂数据进行可视化操作与交互的一种全新方式。

作为传输显示信息的媒体，VR在未来艺术领域方面所具有的潜在应用能力也不可低估。VR所具有的临场参与感与交互能力可以将静态的艺术（如油画、雕刻等）转化为动态的，可以使观赏者更好地欣赏作者的思想艺术。另外，VR提高了艺术表现能力，如一个虚拟的音乐家可以演奏各种各样的乐器，手足不便的人或远在外地的人可以在他生活的居室中去虚拟的音乐厅欣赏音乐会等等。

如果有机会的话，我希望可以参与其中，因为我觉得可以在参与的过程中学到很多。

4.Seeper团队一直在意的，没有改变的是什么？

    Seeper提供了一个集成的端至端的服务，一条独特的流程线：体验设计，技术设计，内容创作，采购和安装，展示控制和生产，服务和维护的一条流程线。这种综合服务的好处是创造力和技术实施工作在一起，创造性的工作通过和新兴技术的深厚专业知识，然后通过安装和持续的服务。此方法在运行中也得到了印证。

    我觉得Seeper团队一直在意的是交互式体验，创造力和新媒体技术结合的艺术表现方式，以及绚丽的灯光场景布置，画面带给人的视觉冲击力，并且带给参访者以新奇的感觉。

5.Seeper作品

http://www.seeper.com/work/ripple 

片中由一系列几何形状变化以及配合音乐进行运动，这些形状向外挤出，当预计参访者进入房间时出现。这种定制动画软件可以通过任何声音输入驱动，并适应不同的环境，可以添加深度，以便观众推出“墙”，利用媒体动画技术可以控制颜色或者使文字被挤出墙壁。从而创建声音以及动作和社交媒体交互的可视化。

美学方面， 这个作品在变化的过程中出现同心圆的形状、海浪的形状以及发散状，这些形状交替变化出现，整体画面给人感觉仿佛那些色块要跑出屏幕似的三维效果。当参访者的手在距离屏幕一定距离的地方运动，屏幕上也出现相应的色块的手，这是一种互动式的表演。能够激发起参访者的好奇心。

美感方面，我觉得作品色彩鲜明，由红，黄，蓝，绿组成，画面富有冲击力。银幕中的色块与人的手进行交互式的变化，使人作为参访者通过适当装置，自然地对虚拟世界进行体验和交互作用。参访者进行位置移动时，电脑可以立即进行复杂的运算，将精确的三维视觉影像传回并且产生临场感，带给人以新奇的感觉。

音乐风格上，色块的运动与音乐的节奏相互配合。音乐的节奏律动很强，很明快，参访者在参与的过程中好奇心得到满足，并且能带给人轻松愉悦感觉。

    生成图形实时响应声音，创造一个丰富的沉浸式和同步的环境， 该系统已被用于北京英特尔创意计划的互动视觉。

04105960-王晶-西洋美术史-达达运动

达达运动

达达（Dada）是一场兴起于一战时期，涉及视觉艺术、文学、戏剧和美术设计等领域的文艺运动。达达运动是20世纪西方文艺发展历程中的一个重要流派，是第一次世界大战颠覆、摧毁旧有欧洲社会和文化秩序的产物。达达运动是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。它是由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。达达运动作为一场文艺运动持续的时间并不长，波及范围却很广，对20世纪的一切现代主义文艺流派都产生了影响。

回答影片中的问题：

问题一

1.how does one achieve eternal bliss?

要怎样才可以追求永恒的幸福？

影片中介绍到一个人如何追求永恒的幸福，与控制它的核心思想追求的目标有关，超越艺术和生活之间的区别。拉班对学生多元的舞蹈秀艺术是形而上的精神。

达达主义者的活动包括公开集会、示威、出版艺术及文学期刊等等。在达达主义者的出版物中，充满着对艺术、政治、文化的热情洋溢的评述和见解。

达达运动的主要特征包括：追求清醒的非理性状态、拒绝约定俗成的艺术标准、幻灭感、愤世嫉俗；追求无意义、偶然和随兴而做的境界等。达达运动者们坚信是中产阶级的价值观催生了第一次世界大战，而这种价值观是一种僵化、呆板的压抑性力量，不仅仅体现在艺术上，还遍及日常生活的方方面面。达达运动者认为“达达”并不是一种艺术，而是一种“反艺术”。传统艺术品通常要传递一些潜在的信息，而达达者的创作则追求“无意义”的境界。达达艺术品则要给人以某种“侵犯”。尽管达达主义如此的反艺术，达达运动本身就是现代主义的一个重要的流派。“达达”作为对艺术和世界的一种注解，它本身也就变成了一种艺术。

最有名的是杜象的“小便斗”，这种达达式的审美艺术可以被大家接受，我觉得这种艺术，达达者的创作则追求“无意义”的境界，连美学都忽视了，对于达达主义作品的解读完全取决于欣赏者自己的品味，并且创作的作品被大家所接受，这种随意的创作，我觉得就是一种永恒的幸福了。

问题二

2.how does one become famous?

要怎麽做才会成名？

    影片中有提到“达达这种全球性的现象，每个人都可以成为总统”特别回忆特里斯坦塔拉使进行有力的国际化的宣传，他通过电报向全世界传递讯息。

    这说明了出名与科技有关，只要科技发达，条件允许就可以通过电报等一系列的消息传递的方式，讯息会很快的被传达出去，被大家所了解，当时的达达主义很热门，借此话题进行宣传，而且要符合当时的审美，追求清醒的非理性状态、拒绝约定俗成的艺术标准，追求无意义，随兴而做的境界。我觉得就一定可以出名。

问题三

3.with noble gesture and delicate propriety,till one goes crazy, till one loses consciousness.

借由高贵的姿态和微妙的分寸，直到某人疯狂，直到某人失去意识。

    影片中介绍说达达运动表演话语自作主张，暗示自我蜕变的艺术。神奇的是个人的自我主张其中的高贵姿态是最后的避难场所。大数据形式发现许多不同的形式的创作表达在苏黎世得到见证。在柏林的统治时期，巴黎挑衅驱车前往访问的文体工具的神话。

    影片中提到的索菲蒂伯发疯失去意识这一过程。莫名中毒的小舞厅越来越成为疯狂情绪的游乐场，和在课堂上老师给我们观看的钢琴家的表演，都有受到达达主义的启发，它们所传达的讯息是一样的。就是在达达主义影响下的毫无意义的概念式表演，以及这种投入式的表演方式，被大家所接受，受到观众的欢迎。

我的观点（1920年代的艺术家跟当代的媒体所产生的关联或艺术史上所产生的影响）

     我认为“达达”是一种“反艺术”。由于艺术和美学相关，于是达达干脆就连美学也忽略了。传统艺术品通常要传递一些必要的、暗示性的、潜在的信息，而达达者的创作则追求“无意义”的境界。达达运动者的行动准则是破坏一切。他们主张否定一切，打倒一切。因此，达达运动是虚无主义在文学上的具体表现。它反映了第一次世界大战期间西方某些青年的苦闷心理和空虚的精神状态。此外，艺术诉求于给人以某种感观，而达达艺术品则要给人以某种“侵犯”。尽管达达运动如此的反艺术，达达运动本身就是现代主义的一个重要的流派。“达达”作为对艺术和世界的一种注解，它本身也就变成了一种艺术，达达运动者进行艺术创作的根基在于机遇和偶然性因素。

     达达运动的理念反映了第一次世界大战对许多人旧有价值观的颠覆力量。既然很难从无序的世界中找到实际的意义，那么便索性把这种无序当作是这个世界的某种天性，并以之去颠覆那些维系着旧秩序的旧美学体系。达达运动者试图通过对旧秩序的拒绝达到瓦解旧秩序的目的。

达达运动的流派宗旨

    达达运动者对一切事物采取虚无主义的态度，他们常常用帕斯卡尔的一句名言来表白自己：“我甚至不愿知道在我以前还有别的人。”查拉在回顾达达运动时说：“目的在于设法证明这各种情况下，诗歌是一种活的力量，文字无非是诗歌的偶然的、丝毫不是非此不可的寄托；无非是诗歌这种自然性事物的表达方式，由于找不到合适的形容词，大家只好叫它为达达。” 达达运动者的行动准则是破坏一切。他们宣称：艺术伤口应象炮弹一样，将人打死之后，还得焚尸、销魂灭迹才好；人类不应该在地球上留下任何痕迹。他们主张否定一切，破坏一切，打倒一切。因此，达达是虚无主义在文学上的具体表现。它反映了第一次世界大战期间西方某些青年的苦闷心理和空虚的精神状态。

达达运动的流派活动

苏黎世

    1916年，雨果·巴尔、艾米·翰宁斯、特里斯坦·查拉、汉斯·阿尔普、理查德·胡森贝克和苏菲·托伯等流亡苏黎世的艺术家在当地的“伏尔泰酒店”成立了一个文艺活动社团，他们通过讨论艺术话题和演出等方式来表达对战争，以及催生战争的价值观的厌恶。同年10月6日，这个组织正式取名为“达达”。

    1916年7月14日，在这个组织的第一次公开集会上，巴尔公开宣读了“达达主义宣言”。1918年，查拉撰写了另外一份达达主义宣言，这份宣言被认为是达达主义最重要的宣言之一。在此之后，很多艺术家都发表过类似的宣言。一本名为《伏尔泰酒店》的期刊是这起运动前期的主要成果。

    酒店关张之后，达达主义者的活动开始转移向一个新的画廊。不久，巴尔离开了欧洲，而查拉则开始大肆宣扬达达主义的观点。他给法国和意大利的艺术家和作家们写信，激烈的抨击他们的作品。很快，查拉便成为达达主义的领袖以及名副其实的战略统帅。

    以查拉为舵手的苏黎世达达运动者们出版了一本名为《达达》的期刊。这本期刊1917年7月创刊，在苏黎世出版了5期，并在巴黎出版了最后两期。1918年，第一次世界大战结束。旅居苏黎世的达达运动者们大多返回自己的国家，其中有一些人开始在他们的城市宣扬达达主义思想。

柏林

    德国的达达运动并不如其他国家的达达主义运动那样“反艺术”，而是具有非常显著的政治和社会变革色彩。德国的达达运动者热衷于发表煽动性的宣言，动用宣传和讽刺的力量，发动大规模的公众示威和政治活动。

    1918年2月，理查德·胡森贝克在柏林第一次发表关于达达的演讲，并在同年年底发表了一篇达达主义宣言。汉纳·胡赫和乔治·格罗茨用达达主义的观点来表达对战后共产主义的同情。格罗茨和约翰·哈特菲德在这一时期共同发明了“摄影蒙太奇”技术。艺术家们出版了一系列政治刊物（都很短命），并在1920年举办了一场达达主义的国际展览会。

柏林的达达主义运动内部矛盾重重。库尔特·施威特斯纠集一些其他艺术家脱离了柏林的达达组织。施威特斯迁至汉诺威，并在那里发展了更具个人风格的达达运动。

科隆

1920年，马克思·恩斯特、约翰奈斯·西奥多·巴尔杰德和阿尔普在德国科隆举办了一场广受争议的达达展览。这场展览的核心观点就是艺术的虚无性和反中产阶级价值观。

纽约

    在一战期间，美国纽约也和苏黎世一样成为大批流亡艺术家和作家栖身的场所。从法国流亡美国的艺术家马塞尔·杜尚和弗朗西·毕卡比亚结识了美国艺术家曼·雷。1916年，这三人成为美国“反艺术”运动的核心人物。曾经留学法国的美国艺术家比阿特丽斯·伍德后来也加入了这一团体。

    纽约的艺术家们并没有以“达达运动者”自居，他们也从未发表过任何宣言或组织过任何政治活动。然而他们却通过自己的出版物对旧的艺术和文化体系进行大肆的炮轰，这些出版物包括《盲人》、《纽约达达》等。在这些刊物中，他们将旧的艺术讥称为“博物馆艺术”。

    在这段时期内，杜尚开始以现成品来进行自己的艺术创作，并参加了“独立艺术家社会”组织。1917年，他发表了著名作品《泉》，是一个写有“R. Mutt”字样的小便池。然而这幅作品却被“独立艺术家社会”组织拒绝。

    毕卡比亚对欧洲的出访加强了纽约、苏黎世和巴黎的达达组织之间的联系。他曾连续七年坚持出版达达的期刊《391》。这本期刊从1917年至1924年在纽约、苏黎世和巴黎出版。到1921年，大部分艺术家迁至巴黎。在那里，达达主义迎来了最后一个高峰并走向终结。

巴黎

    法国的先锋派艺术家一直和苏黎世的达达运动者保持着密切的联系。查拉就和包括阿波利奈尔、布勒东在内的法国作家、评论家和艺术家长期保持通信。

    巴黎的达达运动高峰出现于1920年。这一年，达达运动的很多元老来到巴黎。受查拉的影响，巴黎的达达运动者们也发表宣言，组织大规模示威运动，进行舞台表演并出版了大量的刊物。

    达达的作品第一次出现于巴黎公众的视野内是在1921年的“独立艺术家沙龙”上。让·克罗蒂和其他达达运动者们展览了自己的作品。

    达达运动是第一次世界大战期间最初出现于瑞士的苏黎世。瑞士是当时战争的中立国家，一群交战国的青年因躲避战乱而云集苏黎世从事艺术活动，借以发泄和抚慰紧张不安的心灵，其中有德国的雨果·巴尔（1886-1927年）、汉斯·里赫特尔（1888-1976年）和理查德·胡森贝克（1890-1963年）；有法国人汉斯·阿尔浦（1887-1966年）；还有罗马尼亚人特里斯坦·扎拉和马塞尔·扬科以及一些其他国籍的艺术家。

    达达艺术思想的狂热和对传统的决裂，在当时达达运动影响很大，扩及到德国、西班牙、法国、甚至远到美国，似乎形成了一个国际性的文艺团体，达达之所以造成如此强烈反响，其原因如里德所说：“达达开始时，实际上的意思是企图摆脱一切古代传说的重荷，无论是社会的还是艺术的，而不是要创造一种新的艺术风格。

04105960-王晶-西洋美术史-《观察者的技术》

《观察者的技术：论十九世纪的视觉与现代性》

内容简介： 

   〔眼球考古学〕我们置身数位的时代，视觉经验也在这个数位化的行列中，脱离了类比的掌控、进行彻底重组。于是，旧的眼球如同痂一般自然脱落，新的眼球由电脑、电视、监视器等数位影像共同催生茁壮。解析度、像素、虚拟实境、photoshop，我们今天拥有的不只是各种全新的词彙，更有一双新的眼睛，一种与过去截然不同的观看与聚焦方式。面对新的视觉，我们如何知道自己的观看方式有何「新颖」之处？本书作者强纳森．柯拉瑞（Johnathan Crary）试图回答这个问题，但他不是去动手撬开液晶萤幕，或者分析街头监视器如何密不透风；也不是如布纽尔（Bunuel）直接切开人们的眼球，血淋淋地给观众震撼教育。他选择了逆向操作，从地下拾起被人们抛弃、遗忘的眼球，开始进行视觉的考古学。他认为，只有弄清楚我们「过去」如何观看，才能知道新的视觉经验有哪些只是承接前者，哪些是这个时代的真正特徵。因此，作者开著推土机，拨开人类眼球千年史的地层遗迹、向我们展示了「暗室」与「立体视镜」这两层对当代最有影响的视觉典范。前者统治了十七十八世纪人类眼球运作方式，后者则形塑了作者所谓的「十九世纪观察者」。乍看之下，「暗室」只不过是光线从小洞进入黑箱时，会在内部出现颠倒室外影像的光学现象，而所谓「立体视镜」，则是仅仅在某种条件下才会产生「立体」效果。但在作者极有说服力的挖掘与陈述当中，这两个如同玩具般的仪器，成为当代视觉研究的基础，也成为所有眼球养分的来源。柯拉瑞的眼球考古学，让我们弄清楚，在液晶萤幕华丽色彩的背面，隐藏了什么秘密。本书内容横跨视觉研究、艺术理论与科学史等领域，引发了视觉再现理论的典范转移，被誉为「具有毋庸置疑的原创性与重要性」，无论身处艺术理论、科学史或是视觉研究领域的专业研究者，或是对视觉观看与应用有兴趣的一般读者，都可在本书中享受到阅读的乐趣。 本书特色 本书讨论的问题并不限于学院题材，是一部打破类型、融合多项主题领域的作品，将画家与哲学家彼此连结，又将这两者与新兴的视觉技术联繫，并且展现了原创散文所具备的那种开拓性洞见，从中更可见到作者的渊博学识，少有著作能够企及。

 作者简介：  

    强纳森．柯拉瑞(Jonathan Crary) 哥伦比亚大学艺术史教授，「界域丛书」（Zone Books）的创书主编，著名期刊《十月》（October）的编辑顾问，也是《知觉的悬宕》（Suspensions of Perception, 1999）的作者、《身体化》（ Incorporations, 1992）的共同编者。曾获古根汉（Guggenheim）、盖提（Getty）、迈隆（Mellon）及国家艺术基金会（National Endowment for the Arts）等研究奖助，也是普林斯顿高等研究院（ Institute for Advanced Study）的院士。 译者简介 蔡佩君 政治大学政治学系毕业，清华大学文学研究所硕士。译作有《前卫艺术理论》、《共和危机》、《知识骗局》、《多瑙河注》、《剑桥流行与摇滚音乐读本》、《利维坦与空气泵浦》等。

   《观察者的技术﹕论十九世纪的视觉与现代性》是视觉文化研究的经典，作者在本书中进行了一场视觉的考古学，由十七十八世纪「暗室」到十九世纪「立体视镜」，作者试图说明的，是随著现代性的降临，人类观看模式的典范转移。然而，作者通过一番细密的视觉考古学的探究，所要回答的显然是一个当下的问题﹕在一个视觉泛滥的年代，那种仿佛可以脱离对象世界而独存的视觉天地，到底从何而来？

    基本上，我们不能把《观察者的技术》视为一本「艺术史」著作（即使它是艺术史学者的作品），因为这并不是作者的主要论题（argument）。作者的最终关怀，在于「现代性」（modernity）的问题。在过去，许多论者（布希亚、班雅明、阿多诺）都把「符号」及其流通视为现代性的象徵，然而，作者提出了一个最根本的疑问：何以人们如此容易接受这些被呈现在眼前的符号？同时，作为一名艺术史学者，作者也批评了过去的艺术史「把艺术视为大众观看方式的先驱」的说法，因为这种谈法没有办法解决一个问题：如果十九世纪中期以后兴起的「现代主义」（即那些「非写实」的画作，例如抽象、超现实）是现代社会的特徵，那麽，何以生活于现代社会的人们，一方面可以欣赏这些现代主义画作，另一方面又可以观看与接受那些「写实」的摄影？

    作者认为，最根本的解答，在于观看的「主体」改变了。必须要注意的是，作者所说的「主体」，并不意味著「拥有较大行动力或诠释权的个体」，而是指在观看过程中，「比较重要、不能缺席的一方」。作者採用了傅柯（Michael Foucault,1926-1984）的系谱学（genealogy）作为研究进路，将「技术物」视为整个时代论述（discourse）下的体现，「并不是为了探讨其所隐含的再现模式，而是将其视为直接在个人身体上运作之知识与权力的场域。」

    根据该书，在1820/30之前，观看的模式乃是以「暗箱」（obscura）作为比拟，暗箱要求的是一种「外在世界的投影」——世界会投射给我们，让我们认识它。在这种情况下，「人」不是观看实作的重心，因而，人们的视觉也不是认识世界的唯一工具。亦即，这是一种「即使观看者缺席，被观看者仍然存在，但是一旦被观看者消失，观看也随之消逝」的观看方式——观看的主体在于被观看者，而不是观看者。

    然而，在1820/30之后，由于「视觉暂留」这种「错觉」现象的发现，人们开始意识到「错觉」的存在，因此，弔诡的情形出现了：一方面，我们开始暗中承认，我们越来越不能认识真实的世界；另一方面，我们开始关注产生错觉的主体——人，我们解剖眼睛，把「眼睛」视为认识世界的重要途径，同时，为了理解错觉的程度，我们开始利用「量」的测量，来呈现「质」的误差。于是，利用人类双眼像差来产生立体视像的技术物——立体视镜（stereoscope）诞生了，这意味著，观看的主体不再是被观看者，而是进行观看的「人」，亦即，观看的「负担」已经转移到了观看者这一方。

    于是，这种观看主体的转变，连接上了「现代性」问题。由于我们依赖视觉，所以我们任由符号在我们眼前形成、流动、扩散，而「以『量』表现『质』」的作法，则成了我们现代社会的度量特徵：金钱。这也使得摄影（写实）和现代主义（非写实）的矛盾合而为一：人们变成了观看的主体，却失去了对于观看的信任，因此，一方面，艺术家们的「现代主义」要求我们解放视觉；另一方面，我们开始信任那些宣称能够複製真实的「摄影」，即便它们往往呈现出一个「已经消失（不在眼前）」的世界。

    简言之，我们必须小心，所谓「从暗箱走向相机与摄影，代表人们越来越真实地认识世界」，其实是个错误的观点与理解。作者自己都提出了反驳：「用暗箱複製（copy）——描摹暗箱所见影像并使之成为永恒——只是其多种用途当中的一种，到了十八世纪中期，连许多重要的叙述都刻意不强调这项用途了。」如果我们仍然沿用「越来越写实」的观念来理解本书，那麽将会造成严重的误读。实际上，我们越来越需要写实，正是因为，我们已经活在一个越来越难以「被写实」的世界当中。

04105960-王晶-西洋美术史-《数位麦克鲁汉》

《数位麦克鲁汉》阅读心得

 作者简介：  

    麦克鲁汉(Herbert Marshall McLuhan, 1911至1980) 被誉为二十世纪媒体理论宗师，出生于加拿大，于剑桥大学取得博士学位，担任多伦多大学英语教授，一九八○年病逝于多伦多。他在一九六○年代创造的「地球村」、「媒体即讯息」等概念，已成为世界人人熟悉的名言，并因他对媒体敏锐的洞察力而被誉为「媒体先知」。《纽约前锋论坛报》讚誉麦克鲁汉是「自牛顿、达尔文、佛洛伊德、爱因斯坦和巴甫洛夫以来最重要的思想家」。另著有《机械新娘》、《古腾堡银河系》等。

内容简介：  

    严格说来，本书并不能够算是纯粹的麦克鲁汉读本(《古腾堡银河系》、《认识媒体》等未翻译成中文的麦克鲁汉专著，或是已有中文译本《预约传播纪事》更有助于一窥麦克鲁汉思想的原貌)，只能够说它是作者李文森与麦克鲁汉的对话，以及作者借用麦克鲁汉的未来预言来诠释网路世代中所出现的现象与应用。 在以「数位」为名的这本书中，数位世界并不是其中的单一主轴，为了有助于让不熟悉的读者们对麦克鲁汉的理论有著更深的理解，作者拉出哲学、文学、电影、大众文化等现象以及旧媒介的运作与网路世纪中的种种新科技与新现象作传统及当代的交相辩证。李文森的努力弥补了麦克鲁汉不能亲见这个「数位时代」来临的遗憾，而书中对于一些广为人所周知的麦克鲁汉论点也作了重读、釐清与诠释。

    第四章网路空间的字母之歌，首先作者藉由人类不同感知能力特徵之比较，来看音响空间的特性。音响空间是前文字时代的人所看到的世界，是没有疆界的世界、是资讯无处不可得。然而听觉是重点，被感知物有距离的隔绝，使知较能和背景融合一体。听觉也能帮助我们不间断的收集外在资讯 音响空间的特性便是同时和背景融合来去感知外在事物，同时出现在多处地方的特性便是音响空间的关键。当然网路的强大渗透力使的同时性比起前媒体更为明显，于是网路空间的文字的确是有音响特性的，字母便成网路这音响空间的内容与管道了。文字和网路结合后的特性有二：1.使用者控制权的增加。2.互动的增加 由于线上文字传播互动的容易，使得文字之后问世的媒体所丧失的前文字时期，音响空间的特性(互动)被重拾且放大，若是要将互动作为音响空间的标准 那也只有网路空间符合而已。在音响空间裡人不需时时专心于讯息的接收，但以文字作为主控媒体的网路却因文字特性，让使用者不能像看电视一般放鬆使用。由此评估字母在网路中使用在未来是否会被削弱。作者在此认为媒体若要长存就要符合媒体的演化律，要能配合人类的沟通模式，而抽象概念是沟通模式的特性亦是媒体演化律的关键。字母因为具有高度抽象功能，符合人类天然沟通模式，所以应该能在网路中站稳一席之地。

04105960-王晶-西洋美术史-为什么Andy Warhol很重要

Andy Warhol

一．为什么Andy Warhol很重要

    安迪·沃霍尔（Andy Warhol,1928.8.6－1987.2.22，港台地区译为安迪‧沃荷）  被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖代表，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。在众多d艺术家中脱颖而出。沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，他还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、出版商，是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。

    沃霍尔辞世许多年了，但他对于流行文化辐射出的影响力或许无人能及。玩具店里贩卖着沃霍尔公仔；沃霍尔标志性图案印上T恤、卫衣、抱枕、杯垫、年历、明信片；与沃霍尔相关的书和画册在全球书店常销；豪华酒店的泳池底部用马赛克拼出沃霍尔创作的玛丽莲·梦露图案……不少服装设计师、平面设计师 都从沃霍尔所倡导的波普艺术中汲取能量，借用商业社会的文化符号。麦当娜2009年发行的精选集《Celebration》封面就深受沃霍尔影响，她将自己的照片修改成沃霍尔创作的玛丽莲·梦露图案，以此表明那颗愿永做全民偶像的心。沃霍尔高饱和度的色彩搭配甚至成了眼下图像处理软件中颇为流行的一种滤镜，轻而易举就能让图片”沃霍尔化“，给人酷的感觉。因此Andy Warhol在艺术历史中占有重要地位。

二．为什么Andy Warhol是大艺术家

    在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔(Andy Warhol)，他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。安迪·沃霍尔作品的内容与美国社会的消费主义、商业主义和名人崇拜紧密相连，是针对消费社会、大众文化和传播媒介的产物。在沃霍尔的作品创作中，由于他选用题材和创作内容的广泛，作品开始突破以往单一模式，体现出强烈的创新精神。其最为明显的特征就是机器生产式的复制，完全相同的主题元素或者不同色相的主题元素在同一个作品中不断重复出现。

     Andy Warhol擅长绘画、印刷、摄影之间的跨越使用，不断利用传媒而重复传媒，他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。艺术是生活的艺术，生活是艺术的生活。艺术形式与自然界的生命形式具有同构性，安迪·沃霍尔用独到的表达方式诠释了当时工业化大批量生产的背景下，西方社会中成长起来的青年一代的文化观、消费观及其反传统的思想意识和审美趣味。以安迪·沃霍尔为代表的波普艺术家通过广泛的艺术探索改变了世人评价世界、生活和艺术的方式，并以此证明生活和艺术没有高低贵贱之分，艺术不再是少数人享用，而属于普通大众，并逐渐以新的方式从为权贵服务转向为民众服务的民主化进程。可以说安迪·沃霍尔在波普艺术中的开拓和革新对于现代艺术的多样化和互融性起了积极的引导作用。

    安迪沃霍尔的艺术作品，在艺术品市场是炙手可热的收藏品和拍卖品，他的作品往往以千万美元甚至上亿美元成交。他是与毕加索等同级的艺术品市场顶尖代表人物。他的作品以3.8亿美元的年度成交额位居2012艺术家拍卖成绩排行榜首，将毕加索拉下马来。他的作品突出一种嘲讽与冷静。他描绘了简单清楚而反复出现的东西，这些都是现代社会中最令我们记得的形象符号。沃霍尔打破了永恒与伟大的界限；打破了手工艺品与批量生产、达达艺术和极少艺术、绘画与摄影、画布与胶卷的界限。他给平庸添上悲剧色彩，使悲剧变得平淡无奇。他摧毁了“艺术”形象的等级制度，取消了规定“艺术”的专横界限，他沟通了阳春白雪和下里巴人两种艺术。

    安迪·沃霍尔是自我制造繁衍的产品，他的传播是其自我特征，包含了他的所有的活动和生命本身；作为复杂的兴趣和荒诞的行为的综合体，他实践着时代的热情、欲望、野心和幻想；他创造了一个广泛感知世界、实验性世界、平民化世界、非传统经验世界、反精英反贵族的世界。安迪·沃霍尔的最大的价值是他用一生的实践完成了对传统的艺术价值和社会秩序的反讽和不屑，用虚幻的表象战胜他不情愿的、残酷无情的、没有人性的真实世界。而真正的讽刺是在他离世后，他已经成为新的更大的更空虚的现实中的偶像，他的不屑本身已经成为后世的经典。真正的艺术家的悲剧不在其生前而在其死后，成功的命运总是走向其反面，你曾有多么辉煌，你就将会变得多么无聊。这是他的作品价格一路飙升的注解。沃荷一生热衷於商业设计、绢版印刷、满口成功哲学、和摇滚乐团的另外一面，是一个回归到艺术本身探索旅程的艺术家，内心充满了细腻和敏感。因此我觉得Andy Warhol是个大艺术家。

04105960-王晶-媒体与艺术-TEAM LAB 舞动艺术展

台北：华山 teamLab 特展

活动详情：
   【花与人的共存】

    进入到第一个展区，映入眼帘的是（花与人，不为所控欲能共生，度时如年）。会在一小时内展现一年四季的花开到凋零的变化。这个展区是互动展区。若踩在黑色区块会慢慢长出花朵，若踩到花则会慢慢凋零。

    此展区是另一幅作品，花开富贵人生，年复一年，黑暗则是一小时内展现一年十二个月花开到凋零的变化。

    这两个作品都是在第一个展区。而这个展区里还有一个可爱的小巧思，会有蝴蝶在整个战展区里面环绕飞翔，而蝴蝶群也会受到观赏者的触碰而死亡，蝴蝶群也会主动聚集到花开的地方，也表示大自然与生物是息息相关的，蝴蝶也是一幅作品，蝴蝶振翅无边界。透过电脑程式演算花朵诞生、开花盛放到凋谢枯萎的过程，并受到观众的行为举动的影响将不断地变化。
    第二展区只有一幅作品，【Nirvana】，这产区是伊藤若冲的作品，是以"鸟兽花木屏风"、"树花鸟树突屏风"为创作主题。伊藤若冲是近代日本画家之一，他留下被称为格子画的独特表现手法。这幅作品就是由格子画组成，每一个格子会有数种颜色并且在四角的范围内描绘出图样。透过超主观空间的手法完成的作品，利用视觉混合光学的现象将3D空间裡的颜色以画面上的每个格子为单位，依据格子内部层层描绘的複杂图形分割来上色，所完成的作品。

   接着是第三个展区，第一幅作品是【冰冷的生命】

    这幅作品远观与近看的感受会有所不同，而作品是以书法字＂深＂不停的旋转与剥落，呈现剥去表面后作品的样子，因为是在黑暗的展区里，所以会倒映在地板上。

    【光球管弦乐园】

   受许多人欢迎的一个展区，大朋友小朋友都会在此玩的不亦乐乎，一个由滚动后会改变颜色和声音的灯球所组成的交响乐团，当观众拍打、滚动或触碰光球时，将可以改变光球的颜色及声音，越多人一起共同参与，越能创造出丰富多变的音乐。而头顶的球经由触碰也会改变颜色，周围的球也会跟著改变！

  【彩绘水族馆】

    将观众的创作与互动科技结合，创作出的海洋生物在蓝海中悠游。透过共创的过程，将自己的创作加入展品中，成为艺术的一部分。观众在〈彩绘城镇〉的绘图纸上任意著色，藉此过程体验创作的乐趣，激发创意的无限可能。完成〈彩绘城镇〉的图画纸著色并透过扫描后，作品不仅将在投影幕上奔驰，还能印製成〈彩绘城纸模型〉。

   【彩绘城镇】

    这个展区是彩绘车子，一样可经由工作人员扫描将自己的画作放入展览作品裡互动！若去触碰作品裡的车子，车子就会加速！

   【涂鸦大自然】

    此展区为台湾全新展区！台湾展区是做斜角方式，好多小朋友都会从角落滑进去展区，这个展区也深受许多人的喜爱，而这个展区也有互动装置！可将于入口取得的涂鸦卡着色后请工作人员扫描进入展览作品，若待在原地不动，身边就会开始有花朵展开，若走动花朵也会跟着凋落。

    由观众画的生物所创造出的自然世界，花朵会在观众脚边大量绽放，伴随着飞舞的蝴蝶。借由共创体验，与被创作出的生物进行一场大自然的冒险。

   【串连吧积木小镇】

    透过摆放积木的方式，创造出有火车、车辆与各种交通工具行驶的城镇。相同种类的积木会被串联在一起，交通工具们就会开始行驶。桌上积木红色为公路、绿色为铁路、云则为航道、蓝色则为河流！而这个展区桌子与上面的画面是同一幅作品，是航道飞机的空拍景。

   【小人所居住的桌子】

    非常可爱的桌子，可与桌上小人互动，小人会聚集在桌子边缘并会随著物件的形状颜色不同产生不同的动作，把小人往上抓，碰到中间的星星，星星就会散落变成许多小星星，小人会去追逐小星星而重新聚集于桌子边缘。

   【天才跳房子】

   踩在图案上，图案会往下沉并发出音效，并由大图案分解成小图案，而同一个图案，不同次踩也会有不同的音效出现。

   这幅作品也与上面的画面是同一幅作品。若有人踩踏时，上面画面也会呈现水波！

   【水晶宇宙】

    运用上百组 LED 灯串结合光影技术，观众可以利用网页程式选取创造水晶宇宙的元素与作品互动，控制现场的灯光效果，改变宇宙的光影，每个瞬间都带来不同的变化。

    成军15年的日本 teamLab 团队，汇集艺术家、工程师、CG 动画师、数学家、建筑师与网页设计师等专业人士，跨领域合作创造全新型态的数位艺术。本次在台北的展出，集结艺术及童趣两大特色共17件创作，其中〈追逐的乌鸦、追逐与被追逐的乌鸦、以及被分割的视点－Light in Dark〉这件作品受到许多观众的喜爱，乌鸦在空中不断盘旋飞舞，并且在空中画出墨色的轨迹，在相互撞击后化成花朵后凋谢，搭配气势磅礡的音乐，更为作品增添动感元素。

    本次于台湾的展览为teamLab首次尝试将此作品设置于四面立体斜面环绕的场景中。」不仅将观众在图画纸上创作出不同的动物图像虚拟化，大量的花朵从观众的脚边生长绽放，伴随翩翩飞舞的蝴蝶，形成一个缤纷的自然生态。除展出大型艺术作品外，本次更展出让大小朋友体验共同创作的经典作品，如〈彩绘team水族馆〉(Sketch Aquarium)及〈彩绘城镇〉(Sketch Town)。此两件作品将观众的创作与互动科技结合，让观众在图画纸著色发挥创意，创造出的海洋生物在〈彩绘水族馆〉的蓝海萤幕中自在悠游；汽车则在〈彩绘城镇〉的投影萤幕上奔驰。透过共创的过程，观众之间彼此互相影响并一同体验创作的乐趣。艺术，不再只是用眼睛观看，而是用自己的创作加入其中，成为互动艺术的一部分。