04105960-王晶-媒体与艺术-广告借时借势 LED创意大屏“吸睛”无数

广告借时借势 LED创意大屏“吸睛”无数

无论是创意led显示屏还是led显示屏内容创新都是近来目前显示产品运用领域的新玩法，近年来随着技术的精进， led显示屏在诸多终端产品运用领域越来越受到欢迎，尤其是一些LED创意大屏在商用显示领域的运用，不仅能彰显个性文化，还能为商家赢得更多商机。

在户外广告铺天盖地的今天，受众对广告的免疫力已不断升级，而在国外一些独树一帜的创意LED户外广告充分利用数字大户外场景，配合主题活动利用高新科技技术与受众即时互动，他们针对不同的场景特性，为潜在客户定制感官沉浸的纽带，并结合最新的户外技术创造与消费者更深入的交流与互动体验，加强了与受众之间的互动，完成O2O营销的线下引流与闭环。

比如说，去年很火的三星Galaxy S7 LED广告墙，利用巨型led显示屏打造了一面超大的“Galaxy S7Edge”广告墙，吸睛力十足！

再久一点，此前奥利奥日全食led大屏幕广告，是典型的内容创意玩法，巧妙利用当地16年第一次的日全食，在各个闹市区LED广告牌投放了由奥利奥制作的日全食全程演示。且这个日全食是根据当地时间而有所改变，对大屏的控制系统等提出要求。

经典案例数不胜数，而近日又出现一个令人惊艳的led大屏幕创意广告，近日NIKE为了推广跑鞋LunarEpic系列，不惜大手笔在马尼拉建造了一个别具一格的200米的LED跑道跑道，利用led显示屏互动技术，完美的把NIKE的产品体验和服务结合在了一起。

这是一个可以挑战自我的跑道。首先你换上Nike的跑鞋，每一双鞋上都有传感器，利用超级精确的射频识别（RFID）技术可以追踪每个人的运动。

在你跑第一圈的时候，速度信息都被记录下来。当你跑第二圈时，LED屏幕上就会出现你的图像，并且以你第一圈的速度奔跑。

这样一来，你就是在和自己比赛，如果你要跑得比你的图像快，屏幕就会记录下你的速度。第三圈就会和你第二圈的速度一样，继续和你赛跑。如此周而复始，你就会不断的提高自己的成绩。

他们在屏幕的虚拟库中，提供了不同的培练人物。有走路的和国家记录保持者，还有耐克自己的优秀运动员。当然，他们都是虚拟的。

跑道上最多可以有30人同时比赛。

在空中鸟瞰，整个LED屏“跑道”就好像一个数字“8”， 其实它的灵感来自nike跑鞋的鞋印。

同时从上面NIKE的这个令人惊艳的案例中，我们可以看出当前的led显示屏不仅在显示硬件上进步迅速，实时画面效果流畅不已，同时其创意造型也令人拍案叫绝，而且也该案例也表明了当前led大屏幕控制系统软件的发展进步。

当前传统led大屏幕户外广告都在借“时”， 借“势”，经过带有体验营销之后，广告就能吸引消费者的目光和注意力，让消费者更加了解产品，如何吸引消费者的兴趣则成了关键，而创意led大屏幕在“吸睛”方面天生有优势，在先进稳定的播控技术和监控技术支持下，led显示屏正在打破常规的户外单一媒体运用功能，增强现实技术、多屏互动技术、表情识别技术、人屏互动技术拉近led大屏幕与受众之间的距离，让户外广告真正走近受众。

04105960-王晶-媒体与艺术-2016奥地利林兹电子艺术节

2016奥地利林兹电子艺术节

   「2016奥地利林兹电子艺术节将于2016年9月8日展开，为期五天，本届艺术节主题为『基本原子与我们时代的鍊金术士』（Radical Atoms and the alchemists of our time）。艺术节活动包括展览、研讨会、表演、动画、青少年艺术创作活动等。

    本届电子艺术节主题为『基本原子与我们时代裡的鍊金术士』，同时也关注于『物联网』的极致发展后，人类将面临什麽挑战？当整个世界都还正享受数位革命所但来的便利性，及其带来的文化与社会转变之际，已经有一群年轻的科学家与艺术家开始思考探究如何将虚拟的数位数据与实体的身体世界相结合。他们致力于寻找连结起位元与原子的方法，试图从自然的实体创造出新的高科技物质。这些科学家们与艺术家、设计家共同合作，将神经科学、生物科技、数位硬体与软体等相关知识相互结合、应用并进行创作。他们的努力不仅创造出许多炫目的科技发展，同时也开启了诸多新的视野、看待科学角色的新观点，也让人们了解到科技与自然之间的互动......」

    奥地利林兹电子艺术节在议程的安排上极为丰富且多元，包含一系列座谈、演讲、展览、音乐会、表演、动画映演等。

    展览：艺术节期间将展出多件媒体艺术作品，其中最重要的莫过于在OK Center举行的「CyberArts Show」，将展出所有今年Prix Ars Electronica得奖之当代艺术创作，从这些作品当中可以一览当代数位艺术发展之梗概，同时展出作品也与本次艺术节主题相呼应。

研讨会：林兹电子艺术节提供科学家与艺术家相互交流的平台，一系列围绕在艺术节主题的研讨会、论坛，将提供科学家、艺术家、设计者等专业人士知识交流的场域。

    表演：音乐与视觉化呈现是林兹电子艺术节的重头戏，为期五天的媒体艺术表演将以各种独特形式呈现在观众面前，无论是交响乐、数位声响、现场电子音乐表演与视觉化呈现，各种不同表演形式彼此交织，表现出当代媒体艺术的多重面貌。

04105960-王晶-西洋美术史-西格玛尔·波尔克

西格玛尔·波尔克（Sigmar Polke）

    西格玛尔·波尔克（Sigmar Polke，1941—）进入艺术史并在半个世纪以来声名显赫。他丰富的绘画创作与异乎寻常的构图策略始终为他人带来创作的启迪。

波尔克最早的创意是用点阵勾绘日常图案在布面或俗气的装饰印花布上，与沃霍尔 （Warhol）和利希滕斯坦（Lichtenstein）使用印模的方式不同，他用先用画笔，然后再用网格板和喷枪在工业化重复印制点网的花布上创作。他还用橡皮制成印模在纸上布上点阵，并作出细微的偏差令人差异。画面经三维方式叠层满铺装饰结点构成闪烁、驿动。规则、堆积和离散的点格而呈现的套路样式就是波尔克所认知的他所生活的时代的统一而规范的社会结构。他1966年时曾经说过：“在我看来格栅就是一个体制、一个原则、一种方法和构架。它分割、间离、规整并全体划一。” 后来在他八十年代的作品中他开始使用反转的格栅，用黑底上的白点对画面进行颠覆。

    西格玛尔·波尔克从一个艺术家的角度无时不刻地关注着艺术圈和社会的发展、德国对历史的反省、极权体制的崩溃和毒品的滥用；他用丰富的隐喻手法再现政治事件，作品标题也常常或直言其事，或点评或扑朔迷离。他以日常的报纸和画报图片、连环画或19世纪木刻作品集以及艺术大师作品的印刷图等素材拼贴成自己的光怪陆离之作，从而拼贴的部件也获得了新的与原本毫无干系的意义。“爱情、死亡和魔鬼栖居于图中；童话与现实交织，欢快、深邃，也掺杂着私密的记忆。” 内涵的层面，现实的次第被推移，并形成了新的、反逻辑的关系，这一特质在德国艺术颇为鲜见：一种简洁而又内敛的幽默。

他曾经用半透明的聚脂织物做画布，上面用樱穗画成的阴影般，令人产生联想的造型。透过半透明背景可以看见画框和墙面。塑料密封漆画在创作时是一层一层倒在地上平放的画布上，波尔克在没有干透的底色上不时地加上颜料粉、紫色粉末、石墨颗粒、泼撒阿拉伯胶和银帛。波尔克处理如此复杂技术游刃有余的技法给他带来了炼丹师和色彩魔术师的美誉，他的工作室一度变成了一个实验室。成果是绚丽闪亮的装置，其中有些作品是特意为颂扬传说中炼金术鼻主霍尔梅司·特利司梅吉思特司和神秘的阿塔诺尔炼金炉而创作的，这套作品在1986年联邦德国的双年展展馆展出并以此命名。马汀·亨彻尔（Martin Hentschel）引述过1988年开始并在后期不断增加的绘画装置“神灯”，这套作品两面可视可供人们穿行参观内容是有光亮的“童话故事图”，这是波尔克的“实验装置”，它让我们能够了解他融入创作中的智慧：“我想用漆作出一个镜面，…你站在前面能看见你身后的东西。然后你把你看见的身后的东西画在眼前的画上。下一步就是：当你看到你身后东西的时候，你就想象你眼前还不能看见的东西。这时候幻觉已经完全呈现出来了。

     

复印技术所提供的手段成为他常用的方法几乎是顺理成章，因为这种技术功能也有利于生成不可预测的图形。不同来源的图样所形成的巨大资源库再通过复制处理形成拼图，组成了未来派扭曲风格的系列作品。由于波尔克的作品常常显得简单随意，形同儿童稚语，更加令人错愕。“ 这是一位不断提出问题的艺术家并同时准备了睿智和令人困惑的答案，他刺激人们所有的感官并激励人们共同去思考，因为他认为一幅画只有在人们把自己的想法加上去之后才称之为画：”观看动态的画作时必须将自己置入其中，才能随之而动。“ ”Can you always believe your eyes? （你能永远相信自己的眼睛吗？）“，这是一幅他1976年用荧光颜料绘制的素描的名称，这幅画只有在黑暗处才能看见。波尔克的世界之所以难以琢磨用他2002年的一个语义双关的作品标题也可以佐证，这件巨幅作品画面有黑色斑块背景是银色的，题名为：“I live in My Own World, but It's Ok, They Know Me Here. （我生活在自己的世界里，这也未尝不可，他们都了解我。）”

04105960-王晶-西洋美术史-阿尔伯特·厄伦（Albert Oehlen）

阿尔伯特·厄伦（Albert Oehlen）

    阿尔伯特·厄伦（Albert Oehlen）1954年出生于德国，现在西班牙和瑞士生活和工作。自1981年以来他就在Max Hetzler画廊定期举办个展，还在欧洲等国举办过多次个展。他是德国新表现主义的代表之一，承袭了大师在特殊历史时期的记忆，又表达了对自由奔放追求的意念。他的画是精心制作的挑战策略，颠覆和挑战传统艺术的崇高理想．成为以批判和幽默方式反映当代意识形态的新一代创作。

    阿尔伯特·厄伦是一位“资深”艺术家。80年代曾与奇本柏格一起参与“坏画（bad painting）”的创作。从欧兰的作品中很容易看到艺术史的痕迹。比如，在《黑色理性》（Black Rationality）（1982）中，马的骨架直接引用了毕加索的《格尔尼卡》，另外一些作品则引用了米罗、康丁斯基和里希特作品中的图像。但是厄伦的目的在于有意破坏绘画史上所有现成的流派、技术和语汇，展现抽象和具象的共同失败。正如批评家戴德里克森（Diedrich Diederichsen）对于厄伦的描述：如果他敢于正视当代绘画的批评，证明它作为艺术实践的生存能力，他就不得不在这种媒体上重整旗鼓：利用被批评的对象再创造。他想做三件事：揭穿（demystify）绘画的过程；展示一系列策略；不仅仅表现这种批评而且“述说”它。因为他相信绘画的功能实际上如同一种语言，他要创造的对象很明确，是一种没有任何幻象、没有神秘感的、可以说得出的绘画。”为了实现这种这个抱负，他运用关于绘画的记忆自身来反对它自己，抽去绘画的神秘性而重建新的记忆。欧兰想揭露的是艺术在现代社会的失败，通过油画来创造一种新的颠覆性的力量。

    阿尔伯特·厄伦的“坏画”最接近于基彭伯格的作品。他的许多作品经过电脑处理和喷墨印刷，并融入了照片拼贴和印刷元素。对于各种不同视觉艺术传统的运用使评论家很难把它们分类。在《钢铁的奇迹》（Mirages of Steel ）中，厄伦描绘了用喷枪在一些红色球体上喷雾的机械过程，然后再以涂抹、摩擦的方式破坏整个画面，制造成不和谐的抽象拼帖画。对绘画表面形式的破坏是他创造的有力武器，也是他寻求走出艺术史迷宫的方式。

    阿尔伯特·厄伦德的艺术是在具像与抽象艺术之间不断摸索中发展的，期间他的作品无论形式还是主题都发生了很大变化。那些绘画、拼贴、素描和速写是他对诸多艺术问题的回答，是对艺术崇拜的批判，也是对艺术影响社会能力的分析与研究。作为上个世纪80年代那个影响一时的德国“新野兽绘画”（New  Wild Painting）运动中的一员，厄伦在早期具像绘画中就表现出他对如上问题的深刻思考。此后，在“色彩理论”系列创作中，厄伦逐渐将他的调色板减少到最少的三原色：红、黄、兰。相比之下，对于作品表现的主题，厄伦却不受任何道德与标准的局限，阿道夫·希特勒、动物以及我们的日常生活都是他描述的对象。1985至1988年，厄伦采用了用文字覆盖写实形象的方法，在丰富作品的表现内容的同时，也在形式上有所变化。进入80年代末期，他的作品更多倾向于抽象的表现形式，并多以模糊不清的色彩堆积的形象出现。90年代以后，随着电子计算机在绘画领域的应用，厄伦也开始应用计算机进行绘画创作，在计算机绘图软件的帮助下，厄伦的艺术在技法与主题方面都获得新的突破。

04105960-王晶-西洋美术史-朱利安·施纳贝尔

朱利安·施纳贝尔

    美国当代艺术家朱利安·施纳贝尔被公认为这个时代最重要的艺术家。他的绘画创作使用了各种材料和媒介，显现了独特的艺术魅力。施纳贝尔的艺术创作涉及到多个领域，均获得巨大成功，被艺术界称为摄影家、雕塑家和电影制作人的集合体。

人物简介

　　施纳贝尔出生在纽约，年幼时是随父母迁往德州布朗斯维尔，取得了休斯顿大学的美术学士学位，随后向纽约的惠特尼博物馆提交了独立学习计划申请。学习之余，施纳贝尔在格林威治村的餐馆中作快餐厨师。1973年，施纳贝尔在休斯顿的当代美术馆举办了自己的第一次画展。随后的几年间，他赴欧洲旅游，并深受多位艺术大师的影响。1979年，施纳贝尔在纽约著名画廊Mary Boone举办个人画展，1980年，他参加了意大利双周展，到80年代中期，施纳贝尔已然成为“新表现主义”运动的重要代表人物。时至今日，他的作品在纽约、伦敦、巴黎和洛杉矶等地的各大美术馆中都能找到。

　　

早期生活和教育背景

　　施纳贝尔出生在纽约的布鲁克林，他的父母是Esta Greenberg 和Jack Schnabel。在他很小的时候施纳贝尔随家人搬到德克萨斯州的布朗斯维（Brownsville, Texas）。在布朗斯维尔他度过了他的成长期，在那里他学会了冲浪，并决心要成为一个艺术家。施纳贝尔来自一个犹太家庭，在1948年他的母亲成为了布鲁克林哈达莎（Hadassah）的董事长，哈达莎是一个美国妇女拥护犹太复国主义的组织。施纳贝尔在休斯敦大学（University of Houston）获得了美术学士学位（B.F.A.）。毕业后,他向纽约的惠特尼艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）提交了独立学习计划申请。他的申请获得了批准。在他学习艺术的同时，施纳贝尔还做过快餐厨师，他频繁的出入于一个叫麦克斯的堪萨斯城（Max's Kansas City）的夜总会餐馆。1975年，施纳贝尔在休斯顿当代美术博物馆（Contemporary Arts Museum in Houston）举办了第一次个展。随后的几年里，他屡赴欧洲旅游，并深受安东尼·高蒂（Antoni Gaudi）、通布利（Cy Twombly）、约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）等多位艺术大师的影响。

 艺术

　　1979年，当他第一次在玛丽·布恩画廊（Mary BooneGallery）办个展的时候，施纳贝尔作为新生力量被艺术界重视。1980年他参加了威尼斯双年展，到1980年中期他已然成为了新表现主义运动的重要人物。1981年，当他与布恩（Boone）还有卡斯特里（Leo Castelli）举办联展的时候,他的地位已经根深蒂固。他的著名的“盘子画”（一种画在破碎陶瓷盘子上的大型的油画）受到了艺术各界的宣扬和批判。有这样一条他对于艺术界重要性的傲慢声明“我将是你在这一生中所看见的最接近毕加索的人。”这句话同时也藐视了他的同行和大众。目前施纳贝尔已是纽约佩斯画廊（Pace Gallery）的头牌艺术家。

　　施纳贝尔作品的特点是在底层制造一些暴力所致的裂纹，其余的部分则充满了他的创作能量。施纳贝尔说他是在针对一种情绪的状态，这种状态人们可以直接走进其中并被它吞噬。

施纳贝尔的名气在80年代开始直线上升并且成为了金钱的代名词。他的名望证明了的艺术商业化与经济繁荣时期的紧密联系。因为他的个人魅力和古怪的性格（他穿着睡衣，拖鞋还有长袍工作），他被认为是一个英雄，他成为了艺术界的超级巨星。有争议的是,他的对他个人的炒作，经常超越了他的艺术作品本身,这使得他饱受批评家的争论，他们质疑他是否真的具有艺术价值。对大众买家来说，施纳贝尔的作品是用他自己的内心所作，所以他的展览经常售罄。施纳贝尔是一个工作效率很高的艺术家，他说他曾在一年内卖出了六十多张画布。很明显，许多评论家认为施纳贝尔的成功是源于大家对他作品的大量需求。当80年代后期经济衰退，90年代经济稳定的同时，施纳贝尔的光芒多少有了一些衰退。

“我非常清楚而坚定自己是一位画家，包括电影在内的我的所有艺术表现都源于我是一名画家。”

博物馆收藏 　

　  收藏他作品的博物馆遍布在世界各地，有大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art）、纽约现代艺术博物馆（Museum of Modern Artin New York）、惠特尼美国艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）、洛杉矶当代艺术博物馆（Museum of Contemporary Art (MOCA), Los Angeles）、洛杉矶艺术博物馆（Los Angeles County Museum of Art）、马德里雷纳索非亚（Reina Sofiain Madrid）、伦敦泰特现代美术馆（Tate Modernin London）、还有巴黎蓬皮杜中心（Centre Georges Pompidouin Paris）。

　　施纳贝尔最近有一个展览在多伦多安大略美术馆（Art Gallery of OntarioinToronto），从2010年9月1日到2011年1月2日，这个展览占满了整个美术馆五层。调查表明“展览《施纳贝尔的绘画和电影》与观众有很丰富的互动环节。”

04105960-王晶-西洋美术史-马丁·基彭伯格

马丁·基彭伯格

    马丁-基彭伯格是一位极其多产的德国著名的艺术家。

个人简介：

    在马丁死后，他的艺术声誉和影响力反而与日俱增，他被认为是在他那一代德国最有才华的艺术家。马丁是一位极其多产的艺术家，绘画、雕塑、摄影、装置、海报、招贴画，每一个门类都疯狂的多产，他的作品不止从产量，而且在风格，主题，和形式上都涉猎广泛，多得让人眼花缭乱。由于他的作品如此多样，晦涩，而复杂。了解他的个性能帮助人们理解他的作品。

    马丁-基彭伯格的一生是短暂，不守规矩的一生。他喜欢进行挑衅，但都是出于自认为严肃的原因，所以，让周围的人喜欢他，这变成了一件特别困难的事情。

    马丁总是处于情绪激烈的状态，在他很小的时候，他就要求别人对他表示关注。要知道，在马丁他们这样的一个大家庭里，房子里总是人满为患，但马丁在很小的时候就取代了父亲，成了这个房子里最受关注的人。

    十几岁的时候，他就辍学了，然后他就上路了，从此再也没有停下来。他曾经上过一个艺术学校，但后来一样是辍学了。他曾经渴望能做一位演员， 在演员的梦想完全落空之后，他才开始集中精力开始搞艺术。

    在朋克风行的时代，他在柏林经营了一家夜总会，这是他最初着迷于用思维去挑衅的尝试，当时，因为他还年轻的缘故，他的所作所为被视为是年少轻狂，或者年轻人爱做极端事情，他们都不会走太远，终究还是会回来。但就是这个男人在他余下的一生里，不断的做出了让人震惊的作品。

    马丁曾经说过一句话：“你不可能每天都割掉自己的耳朵，今天是梵高，明天是 莫扎特。时刻检查自己的所作所为是十分困难的。”但事实上，马丁几乎就是以这样一种激烈的方式活着的，马丁总是在无止境的躁动中，总是在寻找人陪伴，找人说话，喝酒狂欢，他基本上没有停下了过，他看起来总是有些疯狂，激烈，不耐烦。这就是他在那么多地方生活过的原因，从柏林，佛罗伦萨，科隆，巴黎，马德里，东京，洛杉矶和希腊，马丁说，我从来没有刻意要这么做，但这种感觉一直都存在，它永远都在那里。

    他的生活呼应着他的艺术：鲁莽独来独往，从来不知道何时该停止。不出所料，他得罪了许多人，很多人说他是在庸俗的进行自我宣传。 在被一位德国艺术评论家批评后，基彭伯格画了一幅自画像，一个真人大小的马丁站在一个角落里，脸红红的，双手背在身后，像一个受到惩罚和羞辱的学生。他对画面上的那个人说：“马丁，到墙角去，你应该为自己感到羞愧。”这是马丁对自己进行的自我嘲讽。他是永恒的局外人，常常被艺术世界嘲笑和忽略。

    马丁的绘画，线条流畅随意，构思巧妙。他绘画的主题也是各种各样，自画像，关于性的幻想，风景，和卡通小品等，风格和样式都很多样。他在探索雕塑的方向上走得更远，比如他的那件叫“Peter”的雕塑，家具或工业硬件混合在一起，任何已有的描述语系对此作品都不适用。

    所有这些东西看起来应该是很多双手和很多个脑袋创造出来的，但这些都是精力充沛的马丁一个人创造出来的。他的作品自成格局，用以往已经存在的一些元素，塑造出了另外一种复杂的，有戏剧性的，带来新感觉的艺术。

马丁的自画像

    在马丁的创作生涯中，他不断的对自己的肖像进行着描绘，他的自画像再也不是年轻而消瘦的样子了，而是一个变胖了的，暴躁而好斗的中年人，在这些描绘里，他总是把自己刻画成一个长着大油肚的胖子，看起来像是喝醉了酒，落魄而忧伤。很多自画像看起来都有几分 毕加索的模样，但却充满了自我贬损的意味。再后来，到1996年的时候，马丁的作品“自由引导人民”（Raft of the Medusa）开始流露出了天数已尽的意味，和别的自画像不同，这幅自画像马丁画的是一位正在死去的人。

马丁的摄影作品

    这是马丁的一副滑稽摄影作品，画面里是一高一矮，一胖一瘦两个人的背影，他们两人穿着皱巴巴的衣服，像两个小孩一样手搀着手，朝酒吧走去，看起来像是杜塞尔多夫的午后，虽然滑稽但却亲密又温情。非常吻合马丁的风格，既想洞悉一切又存留天真，既残酷又温柔，挑衅和彻头彻尾的滑稽同时并存。

    在马丁的作品里，工作中介机构成了一个大杂烩，赌场，运动场，变形的桌椅。整个装置里，令人兴奋的各种景物比比皆是，像是卡夫卡未完成的荒诞小说的延续。那些桌椅看起来是随意摆放的，但实际上都是马丁精心摆放的。这是马丁生前最辉煌的一件的作品，作品中的那些看似无规律摆放的桌椅，表现了卡夫卡时代的工作环境里，一个被官僚体制管理着的噩梦，这些东西被安置在一个像是篮球场的比赛场地上，但上面的桌椅板凳看起来是完全无序的，这两种元素混合起来，似乎创造出一种新的语言，但又像是一个巨大的困境。