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不过狗狗一旦养成习惯喜欢游泳，可是猫猫不同，尽管猫猫每天都会花很多时间，梳理、清洁自己。
——新唐人
2017年5月29日星期一
04105960-王晶-媒体与艺术-“智慧农业谷 多彩嘉年华” 昌吉精心打造农业文化饕餮盛宴
“智慧农业谷 多彩嘉年华” 昌吉精心打造农业文化饕餮盛宴
“2017年新疆昌吉第二届农业嘉年华暨首届灯光艺术节”4月26日晚，在新疆农业博览园璀璨开幕。
据悉，本届嘉年华活动以“智慧农业谷 多彩嘉年华”为主题，精心筹备了农耕文化主题“大观园”、梦幻灯光艺术节、五彩缤纷风车大道、农业主题造型、游园赏花活动、草莓科普创意体验、农产品电商交易互动体验、有机果蔬采摘体验等八大主题活动，时间从4月26日持续至十一假期，其中梦幻灯光艺术节游览时间为每日20:00至次日凌晨00:30。
——来源：央广网新疆频道
04105960-王晶-西洋美术史-格哈德·里希特
格哈德·里希特
格哈德·里希特，1932年生于德国Dresden，尽管自诩为德国的波普艺术家，但是格哈德·里希特和他的朋友对商业文化的认识与他们在美国与英国的同行有着很大的不同，其根本原因在于他们所处的经济政治环境的差异。抽象绘画、基于照片的写实作品、具有极少主义倾向的绘画与雕塑风格等等，格哈德·里希特不断地进行各种各样的尝试，他是一个真正的艺术家，不时地将惊奇带给这个既丰富又单调的艺术世界。
个人简介
这位目光锐利的明星画家给人以十分庄重和严肃的印象:满头的灰白色短发，没有任何绯闻，不事张扬。邻居们看到他穿的衬衫领尖上钉有纽扣，西服挺括而合身，大家猜他一定是位高级官员，或是化学教授，或是乡村医生。这位著名的画家住在科隆市城郊一所他自己设计的现代化玻璃和混凝土结构的立方体房子里，明亮的光线有利于他构思作画。第三任妻子是他的学生扎比内，她为他生了两个孩子，老年爸爸每天早晨都送两个孩子去上学。这是一个节奏正常的市民家庭生活。可是，这位画家几十年来一再以惊人之作使艺术品市场喘不过气来，创新的风格和题材使他不断在国际上获得大奖。
为了表示对刚刚进入德国的美国和英国“波普艺术”以及“激流运动”的回应，格哈德·里希特与他的朋友于1963年10月11日在杜塞尔多夫的一个百货大楼里举行了为时一天的艺术行动，在这个主题为“支持资本主义现实主义的示威”行动中，他们将家具作为艺术品放在台子上向众人展示，并且把自己也当作艺术品展示，引起极大反响。2002年2月14日至5月21日，纽约现代美术馆隆重推出了主题为“格哈德·里希特：40年绘画”的大型艺术作品展，这是德国当代著名艺术家格哈德·里希特在纽约举办的首次大型作品回顾展。参展的180余件作品全面反映了艺术家1962至今每一阶段的创作成就，是一次难得的全面了解这位德国艺术家创作风貌的大好时机。
生平
格哈德·里希特，1932年生于德国Dresden，格哈德·里希特被称为尚健在的最受敬重的艺术家。他1932年出生于德累斯顿一个知识分子家庭，1951-1956年就读于德累斯顿艺术学院，60年代的科隆和杜塞尔多夫正值欧美新潮美术涌进，艺术浪潮风起云涌的年代，格哈德·里希特毫不犹豫地投入到火热、激进的艺术浪潮之中，并与许多前卫艺术家保持密切的联系。1961-1963年在杜塞尔多夫艺术学院深造和工作，1971年起被聘任为教授，在那里执教至1994年退休。1963年第一次举办他的画展。他曾有3次婚姻，生有3个子女。为庆贺他70岁生日，美国分别在纽约、芝加哥和旧金山举办了他的作品回顾展。
职业生涯
格哈德·里希特1986年10月12日，在杜塞尔多夫、伯尔尼、柏林及维也纳展览馆成功举办的回顾展结束后不到一个月，格哈德·里希特对自己的艺术生涯做出了一个使人惊异的否定性评价：“这么多失败，我真感到惊奇，这些画总而言之有时还是有一点好看，但基本上都是缺乏能力及失败的微不足道的证据。”1事实上，里希特当时已是最重要国际当代艺术家之一。虽然如此，这样的措词不是过分的谦虚，而是表现了里希特自我批评的基本态度。他从来都没被公众的赞赏、众多展览及艺术奖、作品的高价及广受欢迎而收买。格哈德·里希特对自己的艺术一直持有十分怀疑的态度。
职业启蒙
格哈德·里希特1932年2月9日出生于德累斯顿。在结束画广告海报及字体培训和暂时在剂陶市话剧院作为画厅的学徒后，1951年他开始在德累斯顿美术学院学习美术。在他快速顺利完成了基础课程之后，转入壁画班。他毕业作品是陈列在德累斯顿德意志卫生博物馆楼梯层间的大幅壁画。该作品展示其丰富天才，为他毕业后成为成功的自由艺术家打下基础。多次西德旅行使他面对一种另外的、令人激动的艺术。他被这种艺术的抽象表现力所吸引，比如参观1959年的卡塞尔文献展（Documenta）。很遗憾的是，在当时的德意志民主共和国，这种被视为西方的颓废及资产阶级反动艺术。因此，他只能在自己的画室寂寞地进行其无形式艺术的实验。出于对东德文化方面的状况及不能充分发挥其艺术才能的不满，他于1961年3月离开了德累斯顿，逃往西德。那年的秋天，他在杜塞尔多夫国立美术学院重新入学。
创作之路
第二次世界大战后，北莱茵-威斯特法伦州府杜塞尔多夫逐渐发展成为德国艺术的新首都。除市立美术博物馆之外，还有私立的艺术协会、1961年设立的美术馆及众多进步的画廊介绍当代艺术。杜塞尔多夫位于人口稠密的莱茵地区的中心，同时距离荷兰、比利时及巴黎不远。这种地理优势对杜塞尔多夫的上述发展十分有利。60年代的杜塞尔多夫主要是艺术家的城市。在当地著名的美术学院，当时有格奥尔各·迈斯特曼（GeorgMeistermann）、约瑟夫·博依斯（JosephBeuys）以及里希特的老师、无形式画家卡尔·奥托·格茨（KarlOttoGoetz）等授课。以后成名的学生，包括戈特哈德·格劳布纳（GotthardGraubner）、西格马尔·珀尔克（SigmarPolke）、布林基·巴勒莫（BlinkyPalermo）以及“零社”（ZeroGroup）的成员奥托·皮内（OttoPiene）、海因茨·马克（HeinzMack）及京特·于克尔（GuentherUecker），毕业后都留在了杜塞尔多夫。还在上大学时，里希特认识了60年代艺术道路上的同路人，康拉德·卢埃格（KonradLueg）、西格马尔·珀尔克（SigmarPolke）及布林基·巴勒莫（BlinkyPalermo）。他们共同迈出走向公众的第一步。1963年，里希特、卢埃格及珀尔克和曼弗雷德·库特纳（ManfredKuttner）一起租赁一家位于杜塞尔多夫皇帝街（Kaiserstra?e）31A号的商店，并联合展出其作品。一年后，前三者又在乌珀塔尔市著名的Parnass画廊举办展览。1963年的秋天，卢埃格和里希特在一家杜塞尔多夫家具店举办了后来非常有名的“资本主义的现实主义展示”（DemonstrationfuerdenKapitalistischenRealismus“）展览。该展览中他们站在一间布置着典型的中产阶层家具的客厅里白柱脚上。
艺术转型
与康拉德?卢埃格一起，1966年里希特在法兰克福的Patio画廊以极具讽刺性的夸张标题“德国最优秀的画展”又展出了其作品。同一年，他与西格马尔·珀尔克在h画廊，1970年与布林基·巴勒莫在汉诺威市的Ernst画廊举办画展。早期在杜塞尔多夫时，里希特十分重视和其他艺术家的友谊及团结。他1964年已记下：“与思维和我相同的艺术家交流——一个团体对我很重要，否则一个人会一事无成的。我们的一部分理念是在交流中开发的。孤立地在一个村庄不适合我，人们依赖他们的环境。在此意义上，和其他艺术家的交流，特别和卢埃格与珀尔克的合作，对我来说很重要，它成为我所需要的信息交流的一部分。”不久，里希特放弃了最初跟随让·弗特里埃（JeanFautrier）及杰克森·波洛克（JacksonPollock）的非形象画风格。早在1962年末，新主题开始吸引住他的注意力。周刊里的媒体摄影提供给他一个用之不竭的、充满崭新的题材储藏。这种题材同时拒绝以前的无形式画对艺术家个人参与的一定要求。另外，题材的媒体性质产生了一定的距离，如里希特也在其后来的作品组甚至在其1976年起创作的作品，与似乎富于情感的抽象画都显示了这种距离。在60年代的照相现实性画中，他通过样板的媒体性质与绘画融合将该距离体现出来。此画法的最突出的特征是照相性的灰色及主题的不清晰性。在1963年画的“秘书”肖像及下一年画的“XL513”白颜色的边带指出该画原始资料的媒体性。在一些其他作品，如1965年彩色画“阿尔法·罗密欧”，格哈德·里希特甚至将样板的文体一部分融合在画里。
创作特点
最重要的是，60年代初里希特以其照相现实性画对数十年绘画艺术与所谓更合乎时代的摄影艺术相比已失去意义的看法，找到了有说服力的回答。他以使用和模拟照相性的元素的绘画战略成功地摆脱这一挑战。当时里希特认为，针对复制图片的无所不在，传统的绘画艺术只有适应改变的媒体条件，自己变成照相艺术，同时不放弃其本身的绘画性质，才能保持其意义。1972年记者RolfSchoen采访他时，他这样解答这个表面上的矛盾：“我也不是说，我想模仿一张照片，而是我想制造一张照片。我对照片就是一张曝光纸的那种看法不予理睬，这就是以其他方式制造照片，而不是制造像照片的绘画。”因此，他觉得最重要不是其画的通过采用摄影的黑白及不清晰表面上与照片的相似，而是将摄影的特征，例如其客观性、保持距离性、真实性以及其放弃艺术性的构图转到自己的画中。以这种方式，借鉴尽可能多与绘画艺术竞争的摄影艺术的特征，使里希特当时获得成功展示以“照片”形式的作品。这样，里希特的作品使数十年谣传已死亡的绘画艺术苏醒。以所谓“照相”的形式，摆脱自己的传统的绘画艺术在里希特的作品中存活下去。
在里希特60年代中期从杂志及家庭照相簿选出来的用于样板的照片中，看不出他有特定主题的偏爱。而他本人也在很长时间里助长这种绘画的随意性，他在采访中即有过不少这方面的表述。比如他在1964年已宣布：“我对画题没有任何的偏爱。当然有一些事物对我特别有吸引力，但是我对此不肯定，因为照片反映的世界也是多姿多彩的。”
创作主题
虽然里希特对其画题表面上采取了保持距离及漠然的态度，因为他推托只是模拟一张照片，其实很多画题还是具备个人动机的。只是他60年代的时候绝对不能承认这件事。里希特现在说：“当时公开的提到这种背景会使我很为难，因为我害怕我的艺术会被视为是一种对当代史的刻画或作为社会公益工作。这样我得到了安宁，同时保持这种背景的匿名。”直到有了应有时间距离时，里希特才对采访他的一位女士承认，当时他对其画题的中立态度是推托的：“我对画题的不关心的、无所谓的态度等等，只是一种保护自己的借口。当时我担心，我的画被视为太“感伤”。现在我已经无所谓，可以承认这些事件和我很有关系，画出这些悲惨人物、杀人犯及自杀者、一事无成的人等并非偶然。”从1962年起，格哈德·里希特对不同的作品系列及主题开始使用灰色。最近他还画了几张灰色的抽象画。在其早期照相画中，这种灰色已不仅是模仿周刊及报纸的黑白印刷照片。非色彩的灰色同时代表艺术家对其画题的匿名性及保持距离性。早在1964/65年里希特记下的笔记中，他已重视了灰色的绝对性及其在艺术方面对画出来的物体的优先地位：“我只是对灰色的平面、层次过渡及色调列、画面布局、交叠、连接等感兴趣。如果我可以不利用物体作为这种构造的支架，我会马上去画抽象画。”
无主题艺术
格哈德·里希特走向这种无主题艺术的第一步，是1964年起开始画的“帷幕”。此画题是形象描绘及抽象构造之间的中间道路。这样不属于照相样板的画题，以使人惊奇的方式满足了里希特以绘画的工具制造照片的要求。1968年他这样陈述了这对其艺术创造发展有决定性的步骤：“有一天我不再满意将照片画出来。我就开始使用照相的特征，如准确性、不清晰性及幻想性，以创造门户、帷幕及管道。”以彩色画板、色彩聚合（Vermalungen）及灰色风格，格哈德·里希特扩大其原来的绘画方案，使用新的、抽象的绘画策略，同时又不放弃在照相画中已获得的画法。这种无主题的作品同样被距离感、客观性及无构造性所占据。
灰色画的不同主要是在其绘画表面。里希特在此作品组中尽可能的追求色调的减少及中立，特别重视怎样使用涂刷绘画颜料。他尽可能以无表现力及机械性的用笔或滚筒将灰色颜料抹上。灰色画组成为里希特1966年起开始画与彩色画板的对立风格的画。彩色画板彩色的丰富多彩很突出，同时其绘画构造被中立化。里希特觉得使用油画颜料受美术史的约束，因此，此后他所有的作品都使用工业油漆颜料。同时，在彩色画板的作品中，多样化及随意的使用彩色抵消了其任何表现力及感情表现。
1972年里希特在被RolfSchoen采访中强调了灰色在其作品的特殊性：“灰色到底也是一种颜色，有时对我来说也是最重要的颜色。”尽管如此，此灰色画70年代将里希特艺术领入死胡同。他不得不彻底更改其绘画方式，以得到解放：“我的画当时越来越无个性，并通常最终除了单灰色或颜色排列外，什么都看不出来……在画了这么多灰色后，我坚决做出拯救性的决策：活下去，画多色的画，复杂而媚俗的画。”
格哈德·里希特重复将1976年起产生的、即目前组成其作品最大的作品系列的抽象画，描述成实现世界的模型。在此机会他将其多层的、矛盾的、非构造的及偶然的结构与从窗户向外望者能观察的大自然的最基本情景相比：“我从窗户向外望，外面所具备不同的色调、颜色及比例的情景对我来说就是真实的，这有其真实性及正确性。这一大自然的片断以及任何大自然的片断对我不断地提出要求，同时也是我绘画的样板。”11格哈德?里希特认为每一个以窗框为界的大自然的片断，不管它对人们是多么的偶然，随意被选择的或不全面的，都具备“真实性”及“正确性”。里希特以使用不完成性、任意及非理性的绘画方案，意图将上述窗外一瞥的体会融入其抽象画。
抽象画创作
里希特的抽象画不是随意自发画的，而是分为许多工作步骤长时间内慢慢完成的。表面上很具表现性的笔法，实际是经过计算及考虑的。同时，这种抽象画提供给他配合最异质的形状及颜色的机会。正因为里希特刻意避免传统意味的构图，当他寻找在窗框内能看到的现实世界的类比，他采用不断地拒绝任何程序性或构造性的标准的方法。这种方法对他重要的是，尽可能长时间放开工作进程，同时避免仅仅实行一个开始之前确定的绘画方案。里希特对每一个完成的工作阶段提出疑问，如果有必要的话，它可以在下一个阶段又将它破坏，以重新获得作品的开放性。效仿从窗框看到的自然世界绘制的抽象画，创造了越来越复杂、更需要解释并且越发不可控制的现实世界的直观模型。这样的模型是现实的一种衍生物，与里希特的镜子画不同，它们不仅反映现实，而聚焦其大自然的样板，如一面凸透镜，仅简洁其最重要的特征。早在1964/65年，里希特已在关于软风格的早期照相画提到了类似的简洁：“也许我也将多余的不重要的信息擦掉。”虽然这种抽象画既不能解释有关的现实，又不能解决其问题，它们还是能令人感到安慰。在这些绘画中，非直观的成为直观的，因为作品——如里希特所云——具有“明确的物质性”。因而作为客体存在于现实世界中。尽管按摄影样板画出的照相画以及后期浪漫化的风景画使观赏者获得了现实体验的整体性，格哈德·里希特必须在一个长期的创作过程中不断重新作出下一步的决策，才能在他的抽象画中达到这一效果。
1988年，里希特画了15幅照相写实主义风格的灰泥浮雕画（grisaille），主题是引起争议的巴德尔-迈因霍夫（Baader-Meinhof）团伙。这一团伙制造了一系列爆炸、暗杀和银行劫案，从而引发了警察与法庭的报复行动。团伙的头目安德烈亚斯·巴德尔（AndreasBaader）和乌尔丽克·迈因霍夫（UlrikeMeinhof）死于狱中，但死因不明。关于此事有多种说法，但无一能令人信服。犯罪团伙的暴行，政府的报复，团伙头目的死亡，这一切引起了持续的争论，并对西德人民的心理产生了极大影响，造成了很大伤害。恐怖分子的葬礼于1977年10月18日举行。里希特以此作为作品的标题。画作以警察局和新闻媒体拍摄到的照片为蓝本，但只选取了那些惨不忍睹的肢体碎片或关乎生死的特别镜头加以表现。这些图象以黑、灰二色画成，以刷或抹的方法使之显得模糊，有时甚至难以分辨。画作笼罩着一种哀伤、压抑、悲悯的情绪，似乎在表现死亡本身。里希特显然被巴德尔-迈因霍夫事件所困惑。他写道："恐怖分子的死亡以及在这前后所有相连的事件，都显示出一种极端的丑陋和荒谬。它们给我以强烈的冲击。"他认为，他们不是特定的左派或右派意识形态的牺牲品，而是意识形态本身的牺牲品。任何一种极端的意识形态信仰都是不必要的，威胁生命的。尽管里希特对恐怖分子及其看守的态度尚不明朗，但他的作品所引起的争论无疑起到了使这一问题永远保持鲜活的作用。
个人评价
为了庆贺这位艺术家70岁生日，纽约现代艺术博物馆举办了格哈德·里希特作品回顾展，首次向美国人民介绍了这位德国艺术家的全部作品。位于哈得孙河畔的纽约现代艺术博物馆以美国人的观点，介绍了一位德国画家的艺术生涯，这是在五十七大道旁一座维修前的老楼里举办的最后一次大型展览活动。美国《纽约时报》评论说：“这是一个真正信仰艺术者的迟到的作品展”。
自评编辑
这位画家本人就是这么认为的。他16岁就离开学校，随着一个业余歌舞团体周游了全国各地，继而进入德累斯顿艺术学院攻读硕士学位。里希特早期的一幅社会主义现实主义风格的巨大作品今天还在那里一个卫生保健博物馆里熠熠生辉。他在杜塞尔多夫拜在德国伟大的现代派画家K·O·格茨的门下继续深造，并与画家希林基·帕列莫、齐格玛·波尔克以及康拉德·吕克结为艺术之友。里希特在过去的40年内跳跃式地变换着绘画风格和题材。当60年代德国激烈争论重新扩军备战时，他画了美国飞机的“野马梯队”，他画了穿上德国国防军制服的“鲁迪大叔”，画了患有痴呆症的“玛丽安妮大娘”。当概念艺术和极简抽象艺术宣判绘画死刑时，他就转向抽象画。80年初“新疯狂派”盛行时，他画了静静燃烧的蜡烛。90年代，他展示给善良观众的是色彩鲜艳的风景画和他妻子圣母般怀抱婴儿莫里茨的肖像画。
无论是轮廓不明的速拍式家庭画，或是模糊不清的裸体男婴，无论是严谨的彩色田园风光，或是蒙上一层薄雾似的肖像、草地和云彩，都可以隐约地感到复制的现实社会，表现出艺术家的绘画特征既精确细致又与之保特距离的工作风格。法国报刊评论他的作品是“分毫不差的德国风格”。
里希特是一位变化多端的艺术家。他极力控制自己，拒绝照搬照套他人的风格，如同“甲壳虫”那样细致地选择每一个主题。在寻找现实后面的世界的道路上，使里希特把绘画理解为“另一种形式的思考”。他抱怨说：“最好的主意经常会完全无法实现。”这是指他曾打算在适当时候和他的朋友康拉德·吕克把集中营遇难者的油画和一些黄色照片并列陈列出来。这两个不同主题的材料早已收藏在他巨大的名为“地图册”画库里，里希特还没有找到为实施这个打算在道德上或是形式上的解决办法。1995年以来，里希特的15幅油画已为纽约现代艺术博物馆收藏，它们也是这次里希特作品回顾展的组成部分。
德国艺术家里希特的作品。他对照片和灰色的运用立刻引起了注意，随即着手查阅与他相关的资料，可惜，中文资料如此之少，可见国内对这位艺术家的介绍远远不够。国外情况恰恰相反，里希特已经成为当今在世画家中画价最高的艺术家之一，在网上有他的个人网站（英文和德文），同时西方也出版了众多研究里希特的文章和书籍，如Storr,Robert的《GerhardRichert:FortyYearsofPainting》，Elger,Dietmar的《GerhardRichter,Maler》等。中国批评家和艺术家如此漠视里希特的存在，至少有两个原因：其一，里希特的创作风格多变，不符合中国艺术家统一的、系列性的创作标准。这也就是说风格多变不符合中国市场需求，艺术家要得就是统一，要得就是个人符号的标签，更进一步说，中国大多数艺术家画的就是个人“符号”；其二，多数人认为里希特不过是个照片画家，画画照片罢了，现在中国艺术家都画照片。
以上两个原因或许能使人们察觉到多数中国艺术家和评论家的弊病之一，即缺少深层次的艺术史逻辑。他们认为每个人的艺术都应区别于他人，而具有独特性，这当然是正确的是，但是，在实际创作中他们却把独特性定位在图像的更替上，这就犯了浅尝辄止的错误。艺术史的逻辑是建立在方法论不断更替的基础之上的，而非简单的图像更替。这同时也是批评家容易犯的一个错误。中国现在的某些批评家一直热衷于呼吁图像时代的到来和视觉的转向，并举办了一系列展览来证明这种趋势，殊不知这都是新瓶装旧酒的伎俩，并没深入到方法论的角度讨论问题。他们紧紧扣住消费时代这个主题来做文章，殊不知却犯了庸俗社会学的错误。从表面上看来消费时代是当代艺术的上下文，但是，一个消费时代的帽子不知遮盖了多少足以表现本质的细节。 里希特带给人们的不是他创作了什么，而是他如何创作的，也就是一个方法论的问题，这个方法论之所以有意义，是建立在中国当代艺术不断媚俗的上下文之中。能够带来艺术史转向的并非是图像表面的差异性，而是方法论的置换。里希特至少给人们提供了一个新的方法论视角。
创作方法论
2005年在《典藏杂志·今艺术》上发表了一篇王焜生先生的《不断衍生信仰与质疑的变异者：杰哈·里希特》文章。此文题目有些绕口，其实际来源于一本本名为GerhardRichter:DoubleandBeliefinPainting的书。王先生在文中对艺术家的介绍过于简单，并断言里希特“意欲表达一种对本质的追求与挑战”，[2]并在下文中引用了里希特自己的一句话“我坚信所有画家最典型而精粹的任务是在任何时刻都要集中心智于本质的课题上”[3]来重申了这个观点。但是，这种判断并没有触及到里希特艺术创作的核心，“本质”一词涵盖过于宽泛，敢问哪个艺术家不是在追寻本质？
在这个上下文中，里希特谈到本质，并非强调自己在追求本质这个问题上的独特性，而是其创作方法论的独特性，所以，王焜生先生的文章恰好本末倒置，弄错了重点。与其说有趣的是里希特的回答，不如说有趣的是罗伯特的问题提示出了一个里希特艺术创作的独特方法。模糊处理的方法使里希特的作品区别于当时超级写实主义，灰色图片的选择和对图像的高度尊重使其区别于当时的波普艺术。
作品成就
在2002年美国纽约现代艺术博物馆举办了里希特的40年回顾展，从此世界各地纷纷为其举办个展。通观艺术家40年来的艺术创作，可以从形态上将它们分为抽象和具象两大类。其中，具象作品对于当代中国所处的境况来说最有意义，所以，本部分重点讨论里希特具象作品的方法论问题。 1961年，一次偶然的机会，里希特和他妻子从东柏林偷渡到西柏林，开始了自己艺术生涯的新篇章。整个六十年代是里希特开始确立自己艺术风格的时期，在这个过程中，可以勾勒出里希特艺术创作的上下文。1959年，里希特从东德去西德观看了第二届卡塞尔文献展。
卡塞尔文献展上出现的抽象表现主义作品对里希特的冲击只是以后艺术家面临更多冲击的开始。在未去西德之前，里希特对杜尚和达达一无所知，而十九世纪六十年代的西德，则是激浪派在欧洲的摇篮，可以说，里希特来的正是时候。1957年建立在杜塞尔多夫的“零度组织”（ZeroGroup）举办了许多激浪派式的活动。在里希特进入杜塞尔多夫艺术学院是，博伊斯也刚刚被聘为此学院的纪念雕塑教授。1971年，当里希特成为博伊斯的同事以后，亲眼目睹了博伊斯带领落榜学生反对当局教育制度的过激行为。所以，里希特又是生活在一个强烈反对架上绘画的环境中。同时，美国波普艺术和照相写实艺术也在里希特的视野之内，其好友SigmarPolk就是一个波谱艺术家。
创作方法
里希特面对如此众多的艺术潮流并没有择其一而从之，而是选择了一种独特的创作方法论，即照片绘画（Photo-basedpainting）。他以照片为基础，但是却不完全重现照片；他不完全重现照片，但是又不进行拼贴。艺术家采用了一种灰颜色重新解读照片（有些照片本来就是黑白照），并在绘制照片时，经常将两种相互矛盾的手法（粗糙与细致）并置于同一幅作品中。忽略原照片的细节是艺术家经常采用的手段之一，在忽略细节的同时对照片进行模糊化处理。拒绝在作品中采用拼贴的创作手法使他的作品与波普艺术区别开来。在波普艺术中，艺术家虽然也以照片、影像等为基础进行创作，但是，他们对拼贴组合的运用要远远超过尊重照片的程度。汉密尔顿的代表作《是什么使今天的生活如此美好，如此与众不同》就是拼贴的集大成者；沃霍尔《坎贝尔汤罐头》和《可口可乐》体现了波普艺术的无限并置原则。
忽略照片细节、并置不同的创作手法、对作品进行摩擦处理等方法，使得里希特的作品迥然不同于马尔科姆·莫莱（MalcolmMorley）的照相现实主义（Photo-Realism）和其后的超级写实主义（Hyper-Realism）。艺术家于1962年创作的《桌子》，虽然不是第一件以照片为基础的作品，但是却体现了同一幅作品中并置两种描绘手法的创作倾向；同样的创作方法也体现在作品《牡鹿》中，艺术家将两种不同的描绘方式运用在作品的不同空间中：被模糊处理的鹿和用精致线条勾勒出的树林形成了强烈的对比。在《叔叔路迪》等作品中，里希特采用了模糊处理的方法。他将这种方法的来源归于沃霍尔，并指出了他们之间的技术差异：“（沃霍尔）它采用了丝网印刷和摄影的方式，而我则采用了机械式的擦除技巧。”
通过将注意力集中在与照片的对话中，里希特讨论了照片、绘画和现实的关系。他对照片所记录的表面现实毫无兴趣，而敏感于照片背后那些现实的真实性。但是，他采用的手段并非情绪化的，而显得异常冷静、理性和克制。如果仅仅看里希特的部分作品，多数人可能认为他是一个政治艺术家，在表现对德国纳粹和二战的控诉，确实，人们可以从他的一部分作品中得出这些结论，如《姨妈玛利安》、《亨迪先生》等作品都与二战有关。但仅凭这些就做出判断的话，人们就会曲解艺术家的真正创作意图。他创作的出发点恰好与明显的政治态度相反，而是强调对所有事件的一种中立性态度，没有褒贬，没有好恶，最大限度地降低作品中所包含的个人态度。 显然，李希特与凯琦有着同样的目标。他们都与杜尚的禅学有着不可割舍的关系。禅学“无”的观念，正是当年以凯琦为首的激浪派活动的潜在标准。但是，里希特却认为自己又区别于凯琦。他认为凯琦的创作更加条理化，更有规律性，也就是说凯琦知道自己做什么，而他却不知道，他更多地依赖于内在直觉。
对于里希特来说，照片是表现这种艺术目的最佳媒介。镜头是毫无情绪的，只起到记录的作用，从某种程度上来说，它是客观的。并且他认为业余摄影爱好者的照片有时要好于专业摄影师的照片，因此，他更加喜欢快照。在将照片转换到绘画的过程中，艺术家要做的并非是让“照片类似于绘画，而是让绘画更加接近照片”。
在照片中，里希特将自己从传统的绘画批评系统中疏离出来，因为，照片是没有风格，并绝少掺杂艺术家的主观情绪。同时，艺术家在创作作品时也尽量减少作品的物质属性，使它表面光滑，在形态上更像照片。通过这些非个人化的图像，里希特并没有向观者说明他愤世嫉俗的创作动机，而是表现一再表现出艺术家天真的本性和内心的敏感度。在绘制《1977年十月十八》这组作品之前，里希特的具象作品给人的感觉总是冷漠的，无情绪的。他描绘的主题从无聊的厕所纸、厨房的凳子到社区街道，直到具有政治背景的人或物，总之，涉及到生活中各个方面的人与物。艺术家一再声称自己在选择图片时没有任何标准，选择什么样的图片也是无法预料的，这就造成了他作品图像的多样性。
罗伯特试图追问里希特选择图片的标准，但是，确毫无结果。追问一个照片画家选择图片的标准逐渐成为一个假问题，人们不可能得到确切的答案。因为对图像的选择可能与艺术家某个阶段的具体思想状态有关，当然，不排除由于长时间的艺术创作，可以发现艺术家作品主题的规律性，但是，这完全可能出自艺术家的无意识，即里希特所认为的内在直觉。
个人影响
中国当代架上具象绘画正处于进退两难的境地，一端是过于现代的图像绘画、符号绘画或大脸画。这类绘画已经现代到了媚俗的地步，从事这些绘画的艺术家一般认为自己紧跟时代的步伐，反映了时代的视觉本质，号召这种绘画的理论家则踏入了反映论的领域，号召绘画要与社会景观对接；另一端是依然处于前现代和现代艺术阶段的现实主义和表现主义绘画。这类绘画则显得过于保守，从事这种绘画的艺术家则认为图像绘画等不是绘画，而是广告，因为它们失去了绘画应有的艺术家性。这一进退两难的困境归根到底是个方法论的问题。艺术家只注重图像表征，而忽略创作的内在逻辑；批评家总是高谈文化理论和人文理想而忽略图像本体。真正需要的是在关注创作方法论的同时注重图像，在探讨图像本体的同时加以文化批评。艺术家里希特至少提供了一种方法论的可能性。里希特对于中国当代艺术之所以有意义，是因为他的作品即不属于保守的前现代和现代主义风格，同时也和中国当代这种极端媚俗的艺术有着本质的区别。
借用一下诺曼·布莱森的两个术语“图像性绘画”和“话语性绘画”开始本部分的讨论。在拙文《视网膜符号绘画》中，已经从方法论的角度将中国当代的大部分绘画归为符号绘画，也就是本文所谓的话语性绘画。这种绘画归根结底是政治波普和顽世现实主义的后裔。它们多采用近距离观看的方式描绘画面主题，使画面具有可言说性。清晰的面部表情，扭曲的肢体动作和挪用拼贴的社会符号使其成为名副其实的话语性绘画。但是，中国当代的话语性绘画由于失去了西方古典话语性绘画所依赖的文本，艺术家便在视觉上进行了夸张放大，比如四川美术学院流行的卡通绘画，充斥于北京和上海画廊中的新媚俗绘画等。在中国当代话语性画家的意识中，面部表情和文化符号成为一幅作品不可缺少的工具，他们以为情绪化的面部表情和明显的文化符号能够直接向观者传达明确的信息，但是却忽略了再认一种情绪所依赖的上下文。总之，他们试图缩小与观者的距离，试图向观者传达明确的含义，这是话语性绘画的明显特征。
作品影响
相对中国流行的话语性绘画来说，里希特的绘画则属于图像性绘画。话语性绘画强调画面主题直接面对观者，而图像性绘画则逃避这种直接性，也就说图像性绘画没有强烈的表意目的，这是两者在方法论层面上存在的根本性差异。在里希特的具象作品中，由于艺术家采取了摩擦删除的处理，使得作品在与观者之间的关系上和其他作品有了根本性的差异。他的作品虽然是具象的，但却是模糊的；五官是可见的，表情却是缺失的。观者观看他的作品时并非直接面对作品，而是通过一个模糊层间接地与作品接触，观者永远无法真正接触作品的真相。就算是在里希特最为情绪化的作品《1977年十月十八日》组画中，也是如此。这组作品包括了15幅作品，其中人物都来自于西德一个叫巴德尔—迈因霍夫（Baade-Meinhof）的恐怖组织。在其中三幅名为《面对》（Confrontation）的作品中，里希特记录了艾瑟琳（Ensslin）（巴德尔—迈因霍夫组织创始人之一巴德尔的女友）走过镜头的过程，他没有故意夸大人物的表情，而是与观者保持了若即若离的关系，人物的表情是冷漠的，无法从这样一幅作品中判断艾瑟琳是恐惧还悲伤，一切判断话语性绘画的词汇在此都显得不合时宜。与中国当代媚俗的话语性绘画相比，《中枪倒下的人》（Manshotdown）的图像性更加明显。原图片隐去了死者的面目，在复制过程中，艺术家将图像进一步虚化，从而隔断了作品中死者与观者直接交流的可能性。观者只有通过感受整幅作品的氛围才能体会作品描绘的死亡所带来的恐惧感，这区别于观者对话语性绘画的接受方式。
里希特的作品之所以达到这种效果，首先在于他选择照片而又拒绝拼贴和并置的创作方法；其次是他对灰色的运用；再次，是艺术家主动对绘画进行的机械处理。但是，在艺术家并没有进行虚化处理的作品中，依然可以说它们是图像性的，如作品《1971-1972年的48个肖像》（48Portraitsof1971-1972）。在这幅作品中，艺术家选择了48位名人肖像作为描绘对象，这些肖像来源于一本旧的百科全书。这一系列肖像没有经过艺术家的虚化处理，直接面对观众，但却毫无表情。艺术家并没有期望通过肖像的表情来传达自己的某种态度，相反，它的观念表现在选择过程中。里希特选择的都是他不认识的哲学家、科学家和音乐家等文化名人，但是却没有艺术家。他想通过这种中性的选择来表现自己的中性态度，因为艺术家离自己太近，容易表露出自己的主观感情（喜欢与厌恶）。因此，整个肖像系列的意义并不在于肖像本身，而是在于创作过程之中。
创作影响
格哈德·里希特提供的方法论值得加以重视。他在西方的成功也提示着创作方法论的重要性。当然，并非号召艺术家去模仿里希特的方法，而意在说明一种新的学习角度。中国当代艺术批评刚刚从90年代的后现代理论过渡到后殖民主义，但是，这多是治标不治本的文化批评。最有力的批评乃是从方法论角度入手然后过渡到文化批评之中，因为艺术史的更替更多的是建立在方法论的前提之下，而非图像更替。艺术家里希特即提供给艺术家一个方法论的摹本，也提供给批评家一个批评的范例。方法论而非图像才是艺术史的根本。
价值
从里希特的艺术创造中，还可以看到德国艺术在20世纪后半叶重新建立起来的民族文化属性。在他的艺术中，充满了一种尊重日常经验又超越表象再现、注重精神内涵的德国艺术传统，充满了一种在多样的媒介边界地带构建绘画新的价值的探寻，也充满了视觉文化可能获得的新的社会性与现实性。在具象与抽象、绘画与新媒介、艺术性与社会性的关系这些问题不仅在西方艺术同时也在中国艺术面前存在的时代，他的艺术不仅在西方艺术界获得普遍赞誉，也深值我们中国艺术界所研究。
作品展
由德累斯顿国家艺术博物馆、巴登巴登弗里德·布尔达收藏馆主办；慕尼黑巴伐利亚国家绘画收藏馆，柏林国家博物馆联合举办的“格哈特·里希特艺术展”将于2008年5月初到7月初在北京中国美术馆(NAMOC)举行。同时中国美术馆和德国三大博物馆合作的另一个重要展览：“灵动的风景：穿越德意志艺术时空”也在5月初，在中国美术馆开幕。这两个大展将成为中国美术馆奥运年的重要活动项目。“格哈特·里希特艺术展”共展出作品56件，涵盖里希特1963年到2004年的创作历程，它反映了里希特从艺近45年来，他的艺术是如何在具像和抽象之间反复转换，但同时如何在多样风格中始终围绕具有艺术史关键问题进行探索和质疑。他的作品表现出相互矛盾的真实性，或者用中国学术界习惯的语言讲，他是在探索如何在已被确认的客观性现象中发现并非客观的因素；如何在被确认为真实无疑的实在中揭示虚拟和非真实的存在；或者进行相反的发现和探索……。在艺术语言的探索中，也充分展示了这位艺术家善于质疑和认真实践的品质。他使用和模拟拍坏了的照片所画的油画，成为中国当代年轻艺术家参照和挪用的经典；他用具像手法画抽象画，以示对抽象和具像艺术划分的质疑…… 这次展览将他大量风格多变的经典性作品一同展示，在中国尚属首次。
04105960-王晶-西洋美术史-马克·罗斯科
马克·罗斯科
美国抽象派画家马克·罗斯科（Mark Rothko，1903—1970）生于俄国，十岁时移居美国，曾在纽约艺术学生联合学院学习，师从于马克斯·韦伯。他最初的艺术是现实主义的，后尝试过表现主义、超现实主义的方法。以后，他逐渐抛弃具体的形式，于40年代末形成了自己完全抽象的色域绘画风格。
人物评价
在诸多西方现代艺术史乃至美国现代艺术史的著述中，马克·罗斯科比起同时代的抽象表现主义画家波洛克、德．库宁、纽曼所占有的地位和评价似乎仅仅是一个陪衬角色，而在中国艺术界的影响，也只有极少从事抽象艺术的画家才把他奉为大师。这种现象如同命运，很难分析出可信的原因．不过，据研究资料表明，美国著名批评家格林伯格以共名批评的方式推出代表美国本土风格的现代主义艺术，在罗斯科的话语中并不完全认同，而且始终怀疑这种命名的真实性，尽管他在生前也从中分享到名声和利益。艺术运动的定义往往是预设的、模糊的，它无法确切展现该运动中思想最深刻的艺术家，即使它成功地阐释了其他人。
要真正理解马克·罗斯科的艺术哲学思想，就有必要先了解他的生平，进而去读解他的作品，尤其是在1950年代抽象转型后的作品。当然，还有一把现成的钥匙，就是罗斯科之子克里斯托弗为本书写的序言，他不仅详尽叙述了自已和家人用了34年时间来寻找本书完整的手稿及编辑过程，还以艺术博物馆的专家身份，对本书的内容做出可信的读解和分析，这种双重的忠实在传记和理论写作中显得十分必要和可贵。下面就让我们从马克·罗斯科的生平和创作进入他的艺术哲学思想堂。
早期创作
1945年在古根海姆艺术博物馆举办第一次重要个人画展，获得评论界好评。罗斯科的绘画风格一直在不断变化中，到1947年，成熟的纯抽象风格开始出现。1949年起，他放弃自己既有的造型习惯，画一些大幅矩形作品，画面单纯，色彩重叠，边缘模糊。
尽管罗马克·罗斯科名声增长很快，但仍然十分贫穷。为了养家，1950年他去布鲁克林学院任全职美术教师。因与同事关系不和，1954年辞职。他生性固执，处世态度偏执僵硬。
1952年惠特尼博物馆要购买他两幅画，他不仅拒绝出售，还把这个重要的艺术博物馆称为“废品店”。同年，应现代艺术博物馆之邀，参加“美国画家15人”展，临展时，送去的画与事先约定作品完全不同，使该馆艺术总监大为光火。同时，他与波洛克、纽曼的关系十分紧张，他曾声称是他教会了纽曼“怎样去画画”，从而损伤了他们之间的友谊。
后期成就
1950年代，马克·罗斯科的声望稳定上升，经济状况有了很大改善。1958年被选为威尼斯国际博览会美国代表，并在马萨诸塞州艺术家聚居地普罗温斯镇拥有一间工作室。这时，他的抑郁症迸发，变得越来越神经过敏和消沉。他需要全神贯注全方能画出那些显得平稳安静的巨幅作品。他对作画过程严守秘密，作品完成前决不示人。展览时，却把灯光安排得较暗，从而使他那些强烈的大色块从环境中凸现出来，仿佛悬浮在空中，给人造成强烈震撼。1961年，马克·罗斯科在纽约现代艺术博物馆举办个展，达到艺术事业顶峰。收藏家、经纪人、批评家蜂拥而至，甚至肯尼迪总统也来捧场，对其敬重三分。
作品特点
精神表达
马克·罗斯科的艺术注重精神内涵的表达。他力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义。他认为，今日西方文明根植于西方的传统文化，尤其是希腊文化。
马克·罗斯科的作品一般是由两三个排列着的矩形构成。这些矩形色彩微妙，边缘模糊不清。它们漂浮在整片的彩色底子上，营造出连绵不断的、模棱两可的效果。颜料是被稀释了的，很薄，半透明，相互笼罩和晕染，使得明与暗、灰与亮、冷与暖融为一体，产生某种幻觉的神秘之感。这种形与色的相互关系，象征了一切事物存在的状态，体现了人的感情的行为方式。画家借助于它到达了事物的核心。罗斯科的画往往尺幅很大，这是为了能让人置身于体验之中。他在，1951年这样说，“我认识到历史上创作大型绘画的功能可能是为了描绘一些宏伟豪华的事物。然而，我之所以画它们的原因——我想它也适用于其他我所认识的画家——正是因为我想变得极为友好亲切而又富有人性。画小幅绘画是把你自己置于体验之外，把体验作为一种投影放大器的景象或戴上缩小镜而加以考察。然而画较大的绘画时，你则是置身其中。它就不再是某种你所能指挥的事物了。”1958年，他又说，“我画大幅画，因为我要创造一种亲切的气氛。一幅大画是一种直接的交流，它把你带进画中。”[2] 马克·罗斯科要求其作品挂得足够地高，并配以足够昏暗的光线和冥想的氛围，以便让人完全沉浸其中。当然，这种要求基本上得不到满足。
他创造了一种情绪化的抽象艺术形式，其作品是对色彩、形状、平衡、深度、构成、尺度等形式因素的关注。不过他不愿意人们仅从这些方面来理解他的绘画。
“只要一个画家画得好，他画什么都无关紧要。好作品是纯粹的，它与任何东西都关。”马克·罗斯科的目标是走出绘画，全身心地投入灵魂深处。他拒绝谈论他的技术，愤怒地否认自己是一个色彩画家，并极力地使观众看到潜藏在画布下面的悲剧。
几何形状
在他的画面上我们看到的是有边缘的几何形体，但感觉到的却是由微妙色彩对比所辐射出的情绪，他是在通过几何本身来挣脱几何的控制，如同每个人都是在自己的命运中摆脱命运。在他成熟期的绘画作品中，经常可以见到两三个色彩明亮、边缘柔和、微微发光的矩形色块，它们毫无重量感地排列在一起，如同一种自由的思想漂浮于画布上空。简练、单纯，但却磁力般地将人深深吸引，马克·罗斯科在绘画中注入了强烈的精神成分, 以一种让人萦绕心头而不能忘怀的朴素闻名，欣赏马克·罗斯科的作品会让人感觉置身于他所营造的精神空间而不是陈列其作品的现实空间里，马克·罗斯科独特的风格奠定了他抽象表现主义艺术宗师的地位，在美国起著承先启後的作用，影响了後世不少的建筑与平面设计师。
他要在西方的传统文化中找到今天西方文明的根。他认为现代人的内心体验没有离开从古至今的传统，因此要表现精神的内涵需要追溯到希腊的文化传统中去，尤其是希腊文明中的悲剧意识，这是最深刻的西方文化之源。在他画出成熟的抽象画之前，他对希腊、罗马艺术投注了很多的注意。从希腊传统中他吸收了希腊悲剧精神中的人与自然的冲突，个人与群体的冲突的矛盾状态。在他看来这些冲突概括了人的生存的基本情形。由于他追求表达的清晰，追求去掉一切与观念无关的东西，他最后发展出了一种全黑的画面，在黑色中他找到了和他的悲剧意识完全吻合的形式，而且是不可再简的形式。
代表作品
油画《蓝色中的白色和绿色》是马克·罗斯科的代表作。画面上，绿色和白色的矩形排列在蓝色的底子上。矩形的边缘没有被明确地界定，颜色也相互渗透融合，这使得块面仿佛是从背景上隐约浮现出来，并且不断地徘徊、浮动着。它们在画面上产生某种韵律，温和、舒缓而深沉，触动着人们的心灵。暗淡的色彩给画面抹上一层神秘的、悲剧性的感觉，白色的区域则透出信心和潜力。罗斯科后期的作品，色调更加阴暗，仿佛淹没在日益加深的痛苦之中。他甚至让画面变为全黑，以表达其悲剧的意识。他60年代所作的壁画，带有某种崇高之感。
油画《白色中心》于1950所创作，自1960年以来该画一直由纽约慈善家戴维·洛克菲勒收藏。《白色中心》以一抹白色居中，夹着一团黄色、一线桃红色在下和玫瑰淡紫色在上。该作品构图极为精简，但色彩条纹排列却散发出奥妙，充分体现作者的抽象表现主义。索思比拍卖行2007年05月15日晚于纽约举行的名画拍卖会上，《白色中心》最终以7280万美元的高价成交。
人物评价
有艺评者认为他运用大量纯净的色彩表达无形的思想, 作品总蕴含着一种或淡或浓的沉郁，营造出或朴素或诗意，以至充满戏剧性的气氛和效果。
2017年5月20日星期六
04105960-王晶-媒体与艺术-快餐创意广告折射现实困境：人到底需要什么
快餐创意广告折射现实困境：人到底需要什么
一部四分钟的广告短片，描述年轻的伊凡（Ivan）对艾薇（Evie）一见钟情，为了有足够的钱请艾薇看电影，他想尽办法扩大自己的店面、招揽更多客人，无意中却与艾薇展开了一场30年的商业竞赛。过程中他们为了追求最大利益而翻新包装，并采用低成本的化学添加物，已放弃要用自己的诚信赢得客户的信念。
影片最后，速食的生活、过度加工的食物也危害了自身，这时艾薇和伊凡才发现，他们已经偏离了自己的初衷，没有带给客户新鲜、健康的食物，也没有赢得理想对象的好感。他们决定携手，一切从头再来，拿掉华丽的霓虹招牌和巨大店面，却保证健康的手作餐点，让一切回归真实与美好。
美国墨西哥风味快餐店Chipotle Mexican Grill去年曾发生43名顾客食物中毒的食安事件，今年7月发布这支广告短片，在YouTube已有678万的观看次数，希望再次让他们的忠实客户想起Chipotle的核心价值和初衷。
04105960-王晶-媒体与艺术-穿越声音艺术，在“透明的声音"里重建感官体验
穿越声音艺术，在“透明的声音"里重建感官体验
由法国著名作曲家、策展人James Giroudon策展，法国里昂国立音乐创作中心（GRAME）特别制作的展览“透明的声音"于5月8日在上海民生现代美术馆开幕。作为2017年“中法文化之春"的开篇之作，展览选取了来自全球26位艺术家的45件作品，聚焦于声音与空间的互动关系，在美术馆独特的回旋式空间结构内，试图以声场与视域的演变交错重置观众的感官世界。
“我认为世界上不存在绝对透明的空间，也不存在绝对的静默。"策展人James Giroudon在接受采访时说道。1981年，他与此次展览的参展艺术家之一，作曲家PierreAlain Jaffrennou共同创立了法国里昂国立音乐创作中心，并在随后多年内持续探索声音与舞台戏剧和视觉艺术的联系。
历史上，声音作为一种去材料化的媒介以辅助身份参与了众多艺术创作。伴随着60年代前卫艺术运动的发展与一批实验音乐家的创造性拓展，以及录音和具象音乐的发明，声音艺术才脱离了陈旧的观念，开始能够独立为自身搭建“框架"。
James Giroudon在此次展览中凸显的“透明"概念，指的并非是声音本身那种看不见摸不着的特性——他认为声音具有一种“穿透力"，能够透过色彩与图像、谎言与矫饰，并最终揭示出声音背后潜藏的词汇。
而空间则在整个过程中扮演着不可或缺的角色，正如Bernd Schulz所说，声音艺术的作品“本质上是塑造空间和索要空间的"，此次展览中的大多数装置作品以空间化设计为基础，借助各种透明材质或发光材料，传达出了“透明"所含的光学状态以及视觉表达能力。
美术馆核心筒状展览空间内，三件创作以人工与科技之间的错位合奏回应着展览主题。《水的悬滞》来自法国艺术家MichelFrançois，装满水的透明塑料袋被系成串，悬空于地面之上，以特有的物理张力凝固了自然实体在瞬间内的状态；PierreAlain Jaffrennou的《天使坠落》由黑暗中一个盛满红色液体的巨型玻璃盆和从空间顶部放射而出的一束激光线构成。每隔一段时间，一滴红色的水珠便顺着光的方向坠入盆中，而多点播放系统控制的音效则诠释出“天使"在坠落之时的呢喃，伴随着强烈的回声，生命在一次又一次的重生中循环往复；就在展厅的不远处，一颗心脏被放置在平板上，富有节律且安静地跳动着，这是来自PascalFrament的《不动心》。
展览其余的部分随着美术馆平缓的斜坡渐次展开。策展人强调：“虽然展厅的回旋式结构为策展带来了一些限制，但缓缓上升的四层坡道反而激发了我去表现不同作品在状态间的过渡。"而这些运用了音乐、雕塑、装置、电子声响、表演、录像、录音、编程等各种新媒体方式创作而出的作品，即如展览在前言中所说，“将现实生活的面貌层层过滤，构造出一个高度提取现实的美学图景。"
《电音磁场》是坡道展厅出现的第一件声音互动装置，中国艺术家王福瑞运用电磁技术将都市中乱窜的电流转化为声音，而观者只能通过特制仪器，在靠近装置时才能够收听。电力作为第二次工业革命的标志，如今已如作品所表现的那般，隐入了都市难以言明的复杂肌理，在人类日复一日的生活中构筑着未来幻景；《此时此地》是Denys Vinzant从2000年持续至今的艺术项目。
艺术家以金色颜料在玻璃上书写乐谱，水晶般的声响通过固定在玻璃上的传送器汩汩流出，而装置在空间内四处陈列、悬挂，共同形成了Denys Vinzant所谓的“想象性建筑"，似乎只有在这座幻想的庙宇内，我们才能够深刻地感觉到“此时此地"；DominiqueBlais的《无题》（白盘/黑盘）则以一系列砂岩板谱写了一曲“催眠的芭蕾"。艺术家将陶土圆环垂吊在狭长的展厅两侧，圆环与圆环之间缓慢而微妙的摩擦创造出随机的旋律，邀请观者参与一场声响的漫游。作品“雕塑式"的外观同样完成了不俗的空间表现。
声音用以“叙事"的古老功效在展览中也经由一组作品展现。Julie Vacher的《福尔摩沙声学计划II》由两个女声搭配影像构成，在黑暗的展厅中，一个年长的妇女指示着一名年轻女孩寻找一块石头；《未完成的格陵兰》将米开朗基罗·安东尼奥尼未竟的剧本移植到了视频上。艺术家DaniaReymond通过这一合成图像讲述了一个居住在世外桃源的族群，在冰川期到来之前的最后时光；同样是表现“毁灭"与“变迁"的主题，PascalFrament的作品《居民》则展示了一些被放置在低温表面的微缩人像。水蒸气在低温作用下渐渐凝结成冰，观者将在时间的无声静默中，注视着“居民"们不可避免地被冰霜所吞噬。
新媒体艺术在展览范畴内得到了大量讨论。科技的发展使“声音"与“空间"这两股看似长期分离的力量以更为精妙的方式融合，并催生出充满了神秘主义色彩的创作与现代性审美。《72击》是一个包含艺术家、开发者和技术工人的合作项目，作品包括六支嵌有LED发光模块和打击乐装置的大型钢架，观者可以借助触摸平板控制整个科技装置。当游戏启动，动态的光线与声音便能在人类逻辑的控制下合舞。
值得思考的是，尽管此次展览体量庞大、作品媒介丰富，但“声音"依然作为“透明的空间"将展览串联了起来。“‘透明'无休止的多样性和相对性界定了社会、政治、道德、审美等生活的诸多层面，并幻想最终把这些融合成一个通透的整体。"策展人James Giroudon让展览的诸多作品依照交响乐团式的布局排列，就好像“让乐器组分散在人群当中"。他由此提出了“声学建筑"的概念，并在展览前言中写道：“二十世纪的音乐在谱写的过程中确认了声乐处理中的空间维度。"
当展览的“组曲"奏响，在缤纷繁杂的感官合击背后，完全透明的声场空间获得了一种真实的材质。从细枝末节到宏大景观，声音终于完整而强有力地刻画出了我们所处的这个自由、离散、矛盾，甚至完全交错的感官世界。
04105960-王晶-西洋美术史-藤井秀树
藤井秀树
藤井秀树（Hideki Fujii, 1934——）是享有国际声誉的日本摄影家，尤以拍摄时装人像出名。他的经历见证了20世纪下半叶日本商业摄影的发展历程。1965年他获得了西班牙新闻广告的金奖。
人物经历
1960年，藤井从《服饰》杂志跳到日本设计中心（Japan Design Center）当摄影师，主要是拍丰田汽车。那时候，日本还不是汽车大国，日本摄影师还不知道怎么在影棚内拍汽车
。藤井买来玩具小汽车，把光源通过钢笔粗细的管照射到车身上，从不同的角度、亮度、侧面来研究车的造型。他翻阅大量资料，试验出了一套通过光的反射、折射、漫射、反光板补光、消除环境反射在车身上的影像等的方法，与一些著名摄影师合作，拍摄了一批风行一时的汽车广告照片（如当时流行的“我爱花冠”的汽车广告照片），成为当时拍汽车的大腕。
1963年，藤井离开了日本设计中心，开了自己的工作室，成为一名自由摄影师，并重新回到自己喜爱的时装人像摄影，成为国际知名的时装人像摄影师。在1990年代推出F-Graphy和New F-Graphy之后，又在21世纪初期进入了记录摄影的拍摄，并于2002年出版了《藤井秀树写真集——柬埔寨吴哥儿童医院》（Angkor Hospital For Children）。
藤井秀树是享有国际声誉的日本摄影大师，曾担任日本广告摄影家协会会长，这也是藤井秀树作品以个展形式第一次亮相北京。在50年的摄影生涯中，藤井秀树一直不停地探索着新的形式，他的时装人像摄影的地位在日本商业广告界屈指可数。
受法国画家马里罗兰的影响，藤井还打破了人们对摄影照片的既成概念，他在木头、绸布和纸以及各种各样的素材上，涂上感光乳剂制作成相纸。在这些特殊的相纸上和普通的相纸一样进行暗房制作，结果得到的照片的艺术效果比想象中的还要不同凡响。不同的材料有不同的质感，木纹、布纹、纸纹以及石头的纹路都能与影像和谐地结合在一起。
高中时，藤井一次和同学去看电影，不巧电影院起火了。藤井用随身携带的相机拍下了火灾现场。电影院的对面就是每日新闻社，藤井把胶卷交给了新闻社主办的《太阳摄影新闻》的编辑。照片第二天就被大幅刊登在头版头条上，他还因此获得了“太阳新闻摄影”优秀报道摄影奖。这次体验引发了藤井对摄影的兴趣。
高中毕业后，藤井如愿以偿地考入了日本大学艺术学部摄影专科。在哥哥的介绍下，大学二年级时，藤井开始到秋山庄太郎的摄影工作室当助手，后来因为工作繁忙退学了，他觉得自己能在工作中学到很多学校里学不到的知识和经验。三年后，藤井被推荐到新创刊的《服装》杂志社。当时日本杂志流行用女明星做封面，藤井开始拍摄人像，这为以后他的人像摄影打下了坚实的基础。又过了三年，藤井不想墨守成规，此时正好日本设计中心刚刚成立，藤井过去担任了摄影师，主要负责丰田、尼康的广告摄影。
发展历程
当时藤井的妈妈并不想让儿子当摄影记者，而是想让他跟着著名摄影家秋山庄太郎（Shotaro Akiyama,1920-）当学徒，成为商业摄影师。在哥哥的介绍下，藤井在日本艺术大学读二年级的时候进入秋山庄太郎的工作室当助手。秋山和工作室的其他摄影家成为藤井的启蒙老师。藤井25岁那年，他给秋山当助手的时间已经不短，当时东京新创刊了一本《服饰》（Dress）杂志，秋山推荐藤井去那儿做摄影师，一干就是三年。主要做两件事：一是拍照片，女性关心的服装服饰、烹饪厨艺、婴儿教育等等无所不拍；二是做暗房，杂志共有80个页码，其中40页的照片是藤井拍摄制作。三年中，藤井夜夜睡在工作室里，暗房功夫大有长进。
也是在《服饰》工作期间——因为当时日本杂志流行用美女明星做封面，藤井开始拍摄人像，他后来的主打就是时装人像。
个人获奖
因为喜爱黑白人像的拍摄，藤井后来辞掉了工作，开了自己的工作室，成为了一名自由摄影师。他花一大笔钱支付给一个只有十六岁的美少女，让她作为自己的专用模特。在不到一年的时间里，藤井在拍摄过程中对美有了自己独到的理解。之后，Maxfactor找到了他，让他负责化妆品宣传的拍摄，于是他开始拍摄彩色人像，1965年他获得了西班牙新闻广告的金奖。
个人影响
上世纪60年代的日本广告摄影基本上是以欧美的模特为主。褐色肌肤的美女以大海、天空、沙滩为背景，摄影家尽可能地以低角度仰拍来表现模特健美的富有活力的躯体。进
入了70年代，藤井对以外国模特为中心的广告摄影产生了疑问。他认为应该把日本的精髓重新捡起来进行学习和研究，并根据当代的要求进行拍摄。他认为和服代表了日本的传统美，就以和服为道具，创作了多样的实验作品。利用日本女性与和服来创作，使藤井在世界广告摄影界里有了一定的影响力。
藤井秀树的在华经纪人周桥女士说，72岁的藤井还在持续不断地进行着新的探索和追求，他经常会问自己 “你拍的照片在手法和技巧上都十分满意吗？”这也是他在女性人像摄影、时装广告的构图和色彩革新方面都走在别人前面的原因。
人物生平
1934年 出生于东京
1952年 获得太阳新闻摄影优秀报道摄影奖
1954年 进入日本大学艺术学部摄影专科学习
1956年 拜秋山庄太郎为师
1960年 在日本设计中心当摄影师，主要负责丰田，旭化成，尼康的广告摄影
1965年 负责 MAXFACTOR 化妆品国内宣传的摄影；获得西班牙新闻广告的金奖；获得ADC(Art Directors Club)的银奖；获得朝日新闻广告奖
1976年 在英国的伦敦，和Helmut Newton举办了二人展
1981年 举办了“人体化妆”摄影展，出版了摄影集（与小林照子合作）在世界各地举办了个展
1985年 藤井F-graphy的“Limage de pastelsai 彩”摄影展获得日本摄影协会年度奖 ；获得第64届纽约ADC(Art Directors Club)摄影部的银奖.
摄影生涯
藤井秀树（Hideki Fujii , 1934- ）是享有国际声誉的日本摄影大师，他的时装人像地位在日本的商业广告界屈指可数。在他50年的摄影生涯中，一直不停地探索着挑战着以求新
的形式，藤井秀树是开辟摄影和绘画相结合的先驱。藤井秀树的作品按照不同的时期可分为六种风格；黑白人像，彩色人像，广告摄影，人体彩绘，F-GRAPHY（藤井艺术），新F-GRAPHY（新藤井艺术）。
高中毕业后，藤井没有听从父母的意见，如愿以偿地考入了日本大学艺术学部摄影专科。在他哥哥的介绍下，大学二年级的时候就开始到秋山庄太郎的工作室当助手，后来因为工作繁忙，藤井退学了，他知道他能在工作中学到很多在学校里学不到的知识和经验。三年后，藤井被秋山老师推荐到新创刊的《服装》杂志社去，白天拍照片晚上暗房制作，完全能够胜任工作。这时日本杂志流行用女明星作封面，藤井开始拍摄人像，这为以后的他在人像拍摄方面打下了坚实的基础。又过了三年，藤井不想陷入因循守旧，墨守成规的圈子里去，此时正好日本设计中心刚刚成立，藤井过去当摄影师，主要负责丰田，旭化成，尼康的广告摄影。
在日本设计中心干了三年，藤井把工作辞掉了，开了自己的工作室，成为一名自由摄影师，开始了他喜爱的黑白人像摄影。他花了一大笔钱支付给一个只有十六岁的美少女，让她只能作为自己的专用模特。在不到一年的时间里，藤井从拍摄的过程中对美的感性和理性得到了极大的理解，此时的经验给他在摄影作品中表现女性的美有了独特的认识和见解。之后，MAXFACTOR找到了他，让他负责化妆品国内宣传的摄影，彩色人像又给了他如虎添翼的机会。1965年拍摄的作品获得了西班牙新闻广告的金奖，使他在国内作为广告摄影家的名声有了极大的提高。
60年代开始日本的广告摄影基本上是以欧美的模特为主。褐色肤肌的美女以大海天空沙滩为背景的彩色照片。摄影家尽可能地以从低角度仰拍来表现模特健美的富有活力的躯体。如图中的广告摄影作品，表现出从水泡诞生出来的罗马女神好像就要轻盈地飘到空中去了，富有深刻含义的联想可以让读者慢慢地琢磨回味。时装摄影也是藤井的得意之作，在光线和构图的运用上达到了至高的艺术境界。 藤井七十年代的代表作
进入了七十年代，藤井对以外国模特为中心的广告摄影产生了疑问。把日本的精髓重新捡起来再进行学习和研究，根据现代的要求进行挑战，对于这个国家的创作者来说是一个非常巨大的财富，把它和女性结合在一起，比如说和服就能代表日本传统的美。藤井秀树是这样想的，也是这样去做的，他把日本传统的和服作为道具，创作了多样的实验作品。的作品是为发型而拍摄的广告，利用日本女性和日本和服来表现这一手法，使藤井在世界广告摄影界里有了一定的影响力。
拍照片是一件很容易的事，要拍出好的照片却很难。藤井经常会给自己一个疑问，你到底拍到了让你在手法和技巧的处理上都十分满意的作品了吗？所以他在拍摄的时候也带着这样的问题去工作，藤井的人像作品逐渐进入登峰造极的世界。
在中国
由中国摄影报和《中国摄影》杂志社主办、中华世纪坛世界艺术馆协办的《藤井秀
树摄影艺术展》将于2007年7月14日起至7月29日在中华世纪坛世界艺术馆举办。
展出的这些作品既包括藤井秀树早期的黑白人像、彩色人像、广告摄影（包括时装摄影），也包括中后期的人体彩绘、F-GRAPHY（藤井艺术）、新F-GRAPHY（新藤井艺术）。在他50年的摄影生涯中，他一直不停地探索着新的影像表现形式，各个时期的人像作品风格各异，令人惊叹。由此，他也被誉为开辟摄影和绘画相结合的先驱。
据他的在华经纪人周桥女士介绍，不满足的心态使得藤井的人像作品逐渐进入了登峰造极的境界。正如众人所知，他是一位少有的奇妙的艺术家，不仅仅在女性人像摄影方面，还在时装广告的构图和色彩革新方面都走在了别人的前面。拍照片是一件很容易的事，要拍出好照片却很难。他经常会问自己：你拍的照片在手法和技巧上都十分满意吗？
由中国摄影报和中国摄影杂志社主办、中华世纪坛世界艺术馆协办的《藤井秀树摄影艺术展》于7月14日在中华世纪坛世界艺术馆举办。虽然藤井秀树的作品在国内并不是第一次见过，但能以个展形式成规模亮相北京还是第一次。况且，展览的同时，喜欢其摄影作品的人还有可能收藏其影像佳作。此次展览将展出藤井秀树各个时期的人像摄影精品代表作共80幅。作为享有国际声誉的日本人像摄影大师，他的时装人像摄影的地位在日本商业广告界首屈一指。
评鉴
在刚刚结束的由中国人像摄影学会以及Lexar（雷克沙）电子（上海）有限公司举办的“第十一届全国人像艺术展览颁奖典礼”上，我们有幸见到了日本著名摄影大师藤井秀树先生，同时他也出席了颁奖典礼前一天的“雷克沙专业存储卡体验活动”，来自全国婚纱影楼的近200位摄影师与他共同分享了精美的摄影作品以及对雷克沙专业存储卡的感受！
藤井秀树先生是享有国际声誉的摄影大师，担任日本广告摄影家协会会长、日本摄影家协会理事、日本著作权协会副会长等职务，藤井秀树先生已有50年的摄影生涯，他是开辟摄影和绘画相结合的先驱。他的作品以黑白人像、彩色人像、广告摄影、人体彩绘为主，其时装人像地位在日本的商业广告界屈指可数，人体彩绘摄影更是享誉世界。
在“雷克沙专业存储卡体验活动”上，72岁的藤井秀树先生向广大影楼摄影师讲述了他的摄影生涯以及创作手法，大量优秀摄影作品的亮相，为广大摄影人建立了一个比较、借鉴的平台，开阔眼界的同时，更是从摄影本体中得到启发，令在座的摄影人体会到了摄影记录的价值所在！同时藤井秀树先生在谈及自己的摄影之路中，还向广大影友介绍了自己的摄影器材。单反数码相机作为数码时代的专业道具，在高画质、机动性、可靠性等所有方面追求最高性能。作为一款职业摄影师值得信赖的严肃的创作工具，能够迅速反映摄影者意志，藤井先生也直言：专业数码相机时刻离不开存储卡的协同工作，与相机共同完成“决定性瞬间”的记录！
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